ChinaChana

10 CANCIONES DE JOSÉ ALFREDO JIMÉNEZ

2011-10-18T14:15:00.000+02:00

Seleccionar diez canciones de José Alfredo Jiménez para agruparlas en un podcast es un trabajo arduo por las dudas que te genera la elección. Son muchas las que podrían ocupar un sitio en esa lista y, al elegir solamente diez, tienes que dejar fuera varias… bastantes… muchas que, como las elegidas, se dan codazos en la memoria musical para ocupar un puesto entre las elegidas. Al final, antes que la calidad o popularidad de las canciones, el que decide es el estado de ánimo en el que te encuentras en el momento de la elección porque, de ahí su grandeza y su perdurabilidad, José Alfredo tiene la habilidad de tocar con sus letras, de manera sencilla y directa, con las palabras justas, las fibras más sensibles del ser humano, las que te emocionan y te conmueven. Pero al final de un largo proceso de quita y pon -con el compromiso íntimo de que en su día debe haber una segunda selección para reparar, en lo posible, los descartes de esta primera- ahí esta la lista de las diez elegidas, todas ellas interpretadas por el autor, el más grande, como le llama un amigo, José Alfredo Jiménez:

POR ORDEN DE APARICIÓN:

01 - El hijo del pueblo

02 - El corrido del Caballo Blanco

03 - Amanecí en tus brazos

04 - Ella

05 - Tu recuerdo y yo

06 - Que te vaya bonito

07 - De un mundo raro

08 - Las ciudades

09 - Vámonos

10 - En el último trago

Pero una de las razones de que las canciones de José Alfredo Jiménez perduren con el paso del tiempo y sigan en permanente actualidad es la cantidad de versiones que de ellas se han realizado. Posiblemente sea el músico más versionado de todos los tiempos. Versiones que no solo se remontan a su época, en donde muchos de los cantantes de entonces grababan sus canciones, sino de músicos de épocas posteriores que, en su estilo, han gozado y gozan de indudable fama. Esta es la razón del segundo podcast que enlazo en esta entrada. Las mismas diez canciones que interpreta su compositor, José Alfredo Jiménez, en las voces de algunos de sus admiradores. Los hay de su tiempo y su país, como Chavela Vargas, compañera de correrías y juergas durante años; Jorge Negrete, el cantante de rancheras más reconocido dentro y fuera de México; o Lola Beltrán, una de las interpretes más significadas de la canción ranchera. No podía faltar en esta selección de interpretes María Dolores Pradera, que en España y Latinoamérica afianzo su éxito y su repertorio con algunas de sus canciones. Entre los músicos de salsa también se han realizados numerosas adaptaciones de su música, como es el caso de la que Rubén Blades nos interpreta. Tampoco podía faltar en esta lista de interpretes la gran María Jiménez que, en su momento, puso su voz, su estilo y toda su fuerza interpretativa en alguna de sus composiciones. Entre los más modernos: la mexicana Lila Downs y los españoles Falete, Joaquín Sabina y Enrique Bumbury. Así pues, la lista de interpretes que versionan las mismas canciones que José Alfredo Jiménez canta en el podcast anterior son:

01 - El hijo del pueblo - Enrique Bumbury

02 - El corrido del Caballo Blanco - Rubén Blades

03 - Amanecí en tus brazos - María Dolores Pradera

04 - Ella - Jorge Negrete

05 - Tu recuerdo y yo - Lila Downs

06 - Que te vaya bonito - Lola Beltrán

07 - De un mundo raro - Falete

08 - Las ciudades - Joaquín Sabina

09 - Vámonos - María Jiménez

10 - En el último trago - Chavela Vargas

Que lo disfruten y quedo con la deuda, por la calidad, la importancia, la variedad, la cantidad y la grandeza de sus canciones, a una segunda entrega cuando el tiempo lo demande. Sobre la vida y milagros de José Alfredo Jiménez no voy a entrar. A los interesados en hacerlo les remito hacia su página en Wikipedia desde pueden enlazar con otras páginas relacionadas con él.

BENNY MORÉ

2011-09-30T02:54:00.001+02:00

Benny Moré fue, en la opinión de muchos, entre los que me encuentro, el más grande cantante que ha dado la música cubana. Con un innato sentido musical, dominaba todos los géneros cubanos: el son, el mambo, la guajira y, cuando se le criticaba que su flanco débil era el bolero, demostró a todos que en eso también era el mejor. Bartolomé Maximiliano Moré Gutiérrez, que era su verdadero nombre, había nacido en Santa Isabel de la Lajas un 24 de agosto de 1919 y pronto, cuando cantaba por las calles y cantinas de La Habana para ganarse la vida, lo vio Siro Rodriguez, uno de los componentes del famoso trío, y lo fichó para sustituir a Miguel Matamoros, indispuesto por una enfermedad, en una serie de actuaciones. Ese fue el comienzo de su carrera que lo llevó rápidamente al estrellato, en donde se mantuvo hasta su muerte que ocurrió, cuanto tan sólo contaba 43 años de edad, el 19 de febrero de 1963. Pero no es el objeto de esta entrada contar la vida y milagros de Benny Moré, para los interesados en profundizar en ello enlazo su página en Wikipedia.

En la época en que Benny estuvo sobre los escenarios eran pocas las imágenes grabadas de sus espectaculares actuaciones, las únicas que se podían ver eran las que aparecían como números musicales de fondo en alguna película. Ese es el objeto de esta entrada, presentar un vídeo que recoge sus actuaciones en varias películas mexicanas y dos documentales elaborados por la Televisión de Cuba después de su muerte. En la época en la que estuvo en México, a donde viajo por primera vez en 1945 con el Conjunto Matamoros y en donde estuvo durante unos cuantos años formando parte de diversas orquesta, su gran popularidad le dio la posibilidad de aparecer en alguna película. Esas imágenes están agrupadas en la primera parte del vídeo que enlazo a continuación. Son de las pocas grabaciones en directo que se conservan. Continúa el vídeo con un documental producido por la Televisión Cubana, que lleva por título "La Clave Cubana", en que se hace repaso de su vida y se pueden escuchar testimonios de otros músicos, cantantes y compañeros de su "Gran Banda Gigante", de su forma de dirigir su banda y, sin tener conocimientos teóricos de música, arreglar las canciones que interpretaban, de la forma en que se movía y bailaba sobre el escenario. El segundo documental se centra en el entorno familiar y son su madre, sus hermanos, familiares, amigos y paisanos los que nos cuentan como era este fenómeno de nombre Benny Moré.

El vídeo está cargado por una joya de portal, para los amantes de la música cubana y caribeña, que lleva por nombre "jaramij100". Además de este, aloja gran cantidad de vídeos largos de conciertos, reportajes y entrevistas de músicos de Cuba y paises aledaños. Son casi dos horas ininterrumpidas de vídeo, así que, a los que se dispongan a verlo, solo me queda decirles que se sienten tranquilamente, pongan la pantalla en grande y disfruten viendo a "El Bárbaro del Ritmo", que era el sobrenombre con que se conocía al gran Benny Moré.

JAHSTA EN DIRECTO EN LAGATA 2010

2011-05-09T12:08:00.010+02:00

Concierto en directo de JAHSTA REGGAE BAND celebrado, el 23 de julio del pasado año, en Lagata, Zaragoza, en el Festival de Reggae "Lagatavajunto 2010".
Además de verlo online y completo en el reproductor incrustado, también se puede descargar libremente en tres versiones: formato DVD para grabar en un disco y ver en cualquier reproductor, formato MPEG para ver en cualquier ordenador, o solo audio en formato MP3. Para acceder a los enlaces de descarga picar aquí. Si te gusta compártelo. JAHSTA en Facebook. JAHSTA en Twitter.

GUADALQUIVIR Y ENRIQUE MORENTE

2011-01-17T19:10:00.006+01:00

Cuando el llamado “rock andaluz” se consolidó y varios grupos, a la sombra del arrollador éxito de Triana, se hicieron populares, surgió una formación que se desmarcaba del rock y, partiendo de la música andaluza, se adentraba en terrenos más complejos como el jazz-rock o lo que entonces se denominaba “música progresiva”, era Guadalquivir. Su formación se concretó a propuestas del manager del grupo puntero de la música andaluza en aquel momento, Juan Varela, para participar como teloneros en los conciertos de Triana, pero el germen venía de 1972 cuando coincidieron haciendo el servicio militar dos de sus fundadores; Andrés Olaegui y Luís Cobo “Manglis”. Su primer disco vio la luz en 1978 y llevaba por nombre el mismo que el grupo, “Guadalquivir”. Tuve la suerte de escuchar aquel disco al poco de ver la luz, pues un amigo lo tenía, y conseguí hacerme con una grabación que a fuerza de oírla casi desgaté. En aquel primer año de existencia, ya que participaron en numerosos festivales que en aquellos primeros años de la transición se prodigaron, tuvieron gran repercusión.

Hasta hace poco tiempo no volví a tener noticias de ellos, aquel gran éxito de su primer LP se fue diluyendo, después de grabar su segundo disco, “Camino del Concierto”, en 1980, en el que participaron músicos de renombre como, Josep Más “Kitflus”, teclista de otros renombrado grupo del momento, Iceberg, Diego Carrasco, Talegón de Córdoba o el percusionista Tito Duarte. Diferencias musicales hicieron que uno de sus fundadores, “Manglis”, emprendiera una carrera en solitario y, hasta la muerte de Jesús de la Rosa, el cantante de Triana, en 1983, fue el guitarrista y bajista del trío sevillano tocando una curiosa guitarra de doble mástil. Por eso no participó en la grabación del tercer disco del grupo, “Después del silencio”, publicado en 1983, que fue el último del grupo en su primera época. En 2006, a raíz del “Homenaje a Históricos del Rock Andaluz”, celebrado en Montilla, Córdoba, Luís Cobo, junto con algunos de sus antiguos compañeros y otros nuevos componentes, vuelven a los escenarios y emprenden una nueva era del grupo Guadalquivir con la sabiduría y experiencia obtenidas a través de estos treinta años de fusión, orientando con mágica maestría las corrientes universales del jazz rock, el flamenco y la música de la India.

Una muestra de su música la podemos ver en el vídeo que enlazo de una actuación en directo en el programa "Musical Express" de TVE del año 1981. Interpretan un tema de su primer disco, "Guadalquivir", que lleva por título "El Manglis".

En 1980, tres de sus miembros, Andrés Olaegui y Luis Cobo "Manglis" a las guitarras, junto con Pedro Ontiveros a la flauta, participaron en el programa de TVE “Flamencos de ayer y hoy”, que dirigía y presentaba Fernando Quiñones, acompañando a Enrique Morente, en donde también participaban el guitarrista Diego Carrasco, junto al bailaor Pedro Soler y un trío de palmeros, que hace pocas fechas, a raíz de la muerte del cantaor granaíno -que nunca dejó de experimentar e interesarse por las nuevas formas de fusión del flamenco, de lo que hay numerosas muestras a lo largo de su carrera- ha sido colgado en el apartado “Música en el Archivo de RTVE”. Es una buena ocasión para rescatar este documento que puede verse PICANDO AQUÍ.

10 CANCIONES DE ISMAEL RIVERA "MAELO"

2011-01-12T00:30:00.006+01:00

Cuando Benny Moré conoció y vio actuar a Ismael Rivera, en compañía de Cortijo y su Combo, se quedó tan impresionado que lo bautizó como “El sonero mayor”. Transcurridos casi 23 años de su muerte, ocurrida el 13 de mayo de 1987, cuando tan solo contaba 56 años de edad, su nombre y su figura han ido agigantándose con el paso del tiempo. Particularmente considero que junto a Héctor Lavoe y el propio Benny forma parte del triunvirato más importante de cantantes de salsa. Si tuviera que afinar más y decir que puesto le asignaría en ese trío, no sin dura pugna y con escasa diferencia, lo situaría a la cabeza de los tres por varios motivos que son más subjetivos que reales: su voz, que me resulta la más cálida y sugerente; el control y la perfección en la interpretación de la melodía; y su dominio del tempo en la improvisación y los guaracheos. Pero no vamos ha entrar en este artículo ni en su vida y milagros, ni en su discografía, para eso existen muchas páginas en Internet que la recogen, entre otras, por ejemplo, esta. Simplemente me voy a centrar en el repertorio que he seleccionado para el podcast dedicado íntegramente a gran “Maelo” que enlazo al final de esta entrada.

De los diez temas que los componen, dos, “Soy feliz”, que abre la audición, original del pianista Javier Vázquez, y “Las tumbas", que suena en quinto lugar, compuesta por su compatriota Bobby Capó en recuerdo de los cuatro años que pasó recluido Ismael en la cárcel Lexington, Kentucky, junto a su colega y líder de su Combo, Rafael Cortijo, acusados de tenencia de drogas. Esta canción llegaría a convertirse en un himno de los reclusos. Ambas fueron publicadas en el LP “Soy feliz” del año 1975. “Cachita”, de Rafael Hernández, es un clásico de la música latina, una de las piezas más versionadas del repertorio salsero, la que hace en 1980 el cantante puertorriqueño, en el disco titulado como su apodo, “Maelo”, es de mis preferidas. Continua la audición con “Dormir contigo”, una preciosa canción compuesta también por Bobby Capó, interpretada en directo y con presentación incluida en el día de su estreno, apareció en el LP “Oro” del año 1979. También es del mismo compositor puertorriqueño el cuarto corte, “El negro bembón”, melodía que será familiar para los amantes de la rumba catalana y de Peret, que la tituló en su día como “Mataron al gitano Antón”. Creo que hay una versión anterior pero la que aquí suena es del LP “Salsa con Ismael” que fue publicado en 1973.

“Un telegrama” es una canción de la chilena Monna Bell que cuando la presentó en el Festival de Benidorm de 1968 se llevó todos los premios y se convirtió inmediatamente en un éxito internacional. La versión que interpreta Ismael Rivera es del disco recopilatorio, publicado en 1990, “Esta es mi salsa”. El siguiente tema, “Arrecotín, arrecotán”, es una composición del propio “Maelo” basada en un juego infantil que muchas veces he oído cantar a familiares y niños. Forma parte del LP “Con todos los hierros” de 1967. Tite Curet Alonso es uno de los compositores puertorriqueño fundamentales de la segunda mitad del siglo XX y uno de los que más canciones han aportado al repertorio de Ismael Rivera, suya es la canción que suena a continuación, “Las caras lindas”. Continua la audición con un tema español que batió todos los record de popularidad en su día, “La vaca lechera”, de Fernando García Morcillo, una canción considerada como menor de la que el gran Ismael hace una gran versión. Es uno de los cortes del LP “Esto fue lo que trajo el barco”, de 1972. Se cierra la audición con otro gran éxito internacional versionado por multitud de interpretes de una y otra latitud y en las más diversas épocas, “Volare”, de Domenico Modugno y F. Migliacci, que fue la canción ganadora del Festival de San Remo de 1958. La versión que nos presenta Ismael Rivera es del disco “Fiesta Boricua”, publicado en 1960, y sirve para poner el punto final de este podcast que pueden escuchar en el reproductor enlazado a continuación, o descargar para conservarlo y escucharlo en cualquier reproductor de Mp3 en la ocasión que les sea propicia.

REPERTORIO POR ORDEN DE APARICIÓN:

1 · Soy feliz (Javier Vázquez) 1975 LP "Soy feliz"

2 · Cachita (Rafael Hernández) 1980 LP "Maelo"

3 · Dormir contigo (Bobby Capó) 1979 LP "Oro"

4 · El negro bembón /Bobby Capó) LP "Salsa con Ismael"

5 · Las tumbas (Bobby Capó) 1975 LP "Soy feliz"

6 · Un telegrama (Monna Bell) 1990 LP "Esta es mi salsa"

7 · Arrecotín, arrecotán (Ismael Rivera) 1967 LP "Con todos los hierros"

8 · Las caras lindas (Tite Curet Alonso) 1978 LP "Esto es lo mio"

9 · La vaca lechera (F. García Morcillo) 1972 LP "Esto fue lo que trajo el barco"

10 ·Volare (D. Modugno - F. Migliacci) 1960 LP "Fiesta boricua"

10 COPLAS DE CARLOS CANO A LOS 10 AÑOS DE SU PARTIDA

2010-12-29T00:36:00.004+01:00

El pasado 19 de diciembre se cumplió el 10º aniversario de la muerte de Carlos Cano, el último gran compositor de la copla que dejó un extenso repertorio de canciones que reflejan un tiempo muy concreto de nuestra historia, la década de los 80, y un reconocimiento de la copla como parte fundamental de nuestra cultura musical. Elegir 10 canciones entre el extenso repertorio que dejó escrito el compositor granadino es problemático porque son muchas más las que tienen méritos suficientes para figurar en una selección tan exigua. Entonces entran en juego los factores subjetivos que hacen que una canción se anteponga a otra en una selección personal: recuerdos, sensaciones, sueños… Las canciones tienen vida propia y se acoplan a las diversas situaciones en las que cada uno las escucha y, por eso, unas quedan grabadas en la memoria de forma más indeleble que otras, dependiendo de las circunstancias, de con quién y en qué situación emocional la hayas escuchado... Pero dejémonos de consideraciones personales, que se pueden enredar más de la cuenta, y vayamos al repertorio que, desde mi subjetividad, he seleccionado para ofrecer este modesto homenaje a ese gran compositor granadino que dejó honda huella en la copla y en la música española en el último cuarto del siglo XX. Hace ya 10 años que la ausencia de Carlos Cano es irremediable pero, al menos, nos queda el tesoro de sus canciones y la presencia de su voz.

REPERTORIO POR ORDEN DE APARICIÓN:

01 - El Salustiano (1975) del disco “A duras penas”

02 - Habaneras de Cádiz (1985) del disco “Cuaderno de coplas”

03 - Romance a Ocaña (1985) del disco “Cuaderno de coplas”

04 - Sin ti no puedo vivir (1986) del disco “A través del olvido”

05 - Pasodoble torero a Gerald Brenan (1985) del disco “Cuaderno de coplas”

06 - El milagro del Palmar (1976) del disco “A la luz de los cantares”

07 - Tango de las madres locas (1983) del disco “Si estuvieran abiertas todas las puertas”

08 - Luna de Abril (1988) del disco “Luna de Abril”

09 - El último bolero (1980) del disco “De la luna y el sol”

10 - La murga los currelantes (1976) del disco “A la luz de los cantares”

Nota: Para ampliar información sobre Carlos Cano y su obra, acceder a su página web: carloscano.com. Para suscribirse o descargar este podcast en formato Mp3, picar aquí.

L@S OLVIDAD@S DE LA COPLA 05

2010-10-21T16:14:00.002+02:00

Esta quinta entrega de “L@s olvidad@s de la copla” comienza al paso de “Caballo cortijero”, una canción por bulerías a cargo del cantante y bailaor Miguel de los Reyes, artista nacido en Málaga en 1929. Triunfó en Madrid, plaza imprescindible de la copla, grabó decenas de discos, cosechó grandes éxitos y participó en numerosas películas. Realizó varias giras por países de Hispanoamérica, en donde trabó amistad con su paisano Miguel de Molina. Solía actuar en compañía de su ballet flamenco. Murió el 27 de enero de 1999, cuando contaba con 69. Y ya en el cortijo, va este pasodoble de Camilo Murillo y A. Segovia , “¡Eh! Toro!”, la historia de una ganadera que nos canta la gran Mikaela. Una mujer de rompe y rasga, moderna y comprometida para la época que le tocó vivir, de gran atractivo y elevada estatura, muy superior a la media de la mujer española en aquellos años, que dejó su impronta en el mundo de la copla y en el del cine, en donde intervino en numerosas películas grabadas tanto en España como en México. Había nacido en 1936 y a los 55 años, el día de viernes santo de 1991, victima de una leucemia, nos dejó. La Inés es el nombre artístico de Inés Suárez, nacida en Utrera, tierra de grandes cantaores. Su afición al cante le viene de familia, pues era sobrina de Fernanda y Bernarda de Utrera, dos de las voces más importantes que ha dado esta localidad sevillana. Es quién interpreta el siguiente tema de este recorrido musical, la rumba grabada en 1969 “Querer”, de Román, Portela y García Tejero.

Continuamos este viaje musical con Dorita “La Algabeña”, Dolores Aguilar Cabrera, natural del pueblo sevillano del que toma su nombre artístico, La Algaba. Nos interpreta un pasodoble con fandango que nos trasporta a uno de los barrios más populares de Sevilla y nos cuenta la historia de “Lola de San Bernardo”. El siguiente intérprete es Angelillo, uno de los cantantes más importantes de antes de la guerra que después de su exilio, pues tuvo que huir precipitadamente en compañía de “Sabicas” por sus ideas republicanas, cayó en el olvido. Ángel Sampedro Montero había nacido en el popular barrio madrileño de Vallecas un 12 de enero de 1908 y murió en Buenos Aires el 23 de noviembre de 1973. Aquí nos interpreta una zambra que lleva por título “En Córdoba hay un misterio”. La siguiente intérprete es Paquita Rico, más popular por su aparición en películas de gran éxito de la época que por su vertiente como coplera. Francisca Rico Martínez nació en el barrio de Triana el 13 de octubre de 1929 y durante muchos años fue una de las figuras más representativas del cine y de la canción española. “El quinto de los cuatro”, tema que canta en esta selección, son unas bulerías originales de Montesinos, Arozamena, García Segura y Moreno Torroba que comienzan con unos compases de “Los cuatro muleros”, una de las canciones populares que rescataran García Lorca y “La Argentinita”, y que tienen mucho que ver con quién fuera su marido, el torero de dinastía Juan Ordóñez, que fue matador y banderillero. El matrimonio se produjo en 1960 y terminó brutalmente en 1965 con el suicidio de Juan, acontecimiento que le produjo un hondo pesar.

Imperio de Triana es la siguiente en comparecer en este programa con un excelente pasodoble que lleva por título “Claveles negros”. María Dietta nació en Sevilla , en el barrio que adopto como nombre artístico, en 1935, y desde muy joven destacó entre los cantantes de la época y se enroló en la Compañía “Galas juveniles”. Su mejor momento fue en la década de los cincuenta en que recorrió España formando parte de las mejores compañías. Falleció el 1 de octubre de 1992. Continúa nuestro viaje con Carmela Montes, del sevillano barrio del Baratillo, que nos interpreta “El garrotín de la Alameda”, un número grabado en 1946. Su carrera fue corta pues la inicio en 1943 y grabó su último disco en 1947, pero en esos pocos años dejó constancia de su calidad como interprete coplera. Gracia de Triana es el nombre artístico de María de Gracia Jiménez Zayas, nacida en el barrio de Triana el 26 de enero de 1919, de voz aflamencada y conocedora de todos los palos del flamenco. El tema que nos interpreta, con acompañamiento de guitarra, son unas bulerías que llevan por título “¡Vaya cartel!”, que hablan de cuatro toreros que en las dos primeras décadas del siglo eran las figuras indiscutibles del momento: “Joselito”, Juan Belmonte, Rafael “El Gallo” y el mexicano Rodolfo Gaona, casi nada. Murió en Madrid, en donde regentaba una pensión desde que se retiro del espectáculo, en el año 1989. El viaje llega a su final con Antonio Amaya interpretando un pasodoble, original de Guerrero y Benito, titulado “España, yo soy España”, grabado en 1961. Natural de Jaén, emigró a Barcelona, otra de las plazas fuertes de la copla, en 1947. Allí empezó a trabajar en espectáculos de variedades y así siguió durante muchos años. Su gran éxito llegó en 1952 cuando grabó uno de los números más exitosos de la copla, “Doce cascabeles”. En Zaragoza, mi lugar de residencia, actuó muchas veces, yo era un niño, pero aún recuerdo los carteles que lo anunciaban en diversas Salas de Fiesta, a comienzos de la década de los setenta, por lo llamativo de sus trajes.

Y hasta aquí este podcast, quinto de la serie “L@s olvidad@s de la copla”. En este número, a diferencia de los anteriores, he grabado los títulos de los canciones y los nombres de los intérpretes antes de cada tema para saber los que suena. Para descargarlo y poder escucharlo cómodamente y a cualquier hora en un reproductor de Mp3, o para incrustarlo en sus propios espacios de la web, picar aquí.

REPERTORIO POR ORDEN DE APARICIÓN:

01 Caballo cortijero - Miguel de los Reyes (bulerías)

02 ¡Eh! Toro - Mikaela (pasodoble)

03 Querer - La Inés (rumba)

04 Lola la de San Bernardo - Dorita “La Algabeña (pasodoble con fandango)

05 En Córdoba hay un misterio - Angelillo (zambra)

06 El quinto de los cuatro - Paquita Rico (bulerías)

07 Claveles negros - Imperio de Triana (pasodoble)

08 Garrotín de la Alameda - Carmela Montes (garrotín)

09 ¡Vaya cartel! - Gracia de Triana (bulerías)

10 España, yo soy España - Antonio Amaya (pasodoble)

Hace 10 años que nos dejó Mauricio Aznar

2010-10-01T02:25:00.007+02:00

Estaba dormido cuando sonó el teléfono. Era pronto, primeras horas de la mañana, y no sabía si lo que me contaban era real o estaba todavía inmerso en un profundo sueño. Por desgracia, era verdad. La realidad me golpeaba brutalmente, sin contemplaciones. Mauricio había sido encontrado muerto en su casa… El tiempo, que con su paso todo lo cura, fue cerrando poco a poco la herida, pero el recuerdo todavía perdura... Fueron tantos y tantos los momentos vividos, las ilusiones concebidas, la lucha por abrirse paso, los viajes, los conciertos, las birras, las risas, las alegrías y las decepciones, las dificultades y los problemas…Han pasado los años, diez hace hoy, 1 de octubre de 2010.

Como si de un recordatorio se tratara, ayer, un amigo me envió un enlace de una página de YouTube en donde se encontraban colgados varios vídeos de “Más Birras”. Piqué en el enlace y así era, 16 vídeos de una actuación que tuvo lugar en Barcelona. Por el repertorio interpretado es posible que el concierto fuese a comienzos del año1988. El lugar no estoy seguro, en la sala KGB o, quizás, en un local denominado “Necronomicón”, situado en el barrio del Rabal. La memoria comenzó a indagar por las profundidades de la mente y los recuerdos se fueron agolpando y haciéndose cada vez más presentes... Entonces pensé: ¿Qué mejor que recordar a Mauricio, en esta triste fecha, vivo y en su salsa con uno de los vídeos de aquel concierto?

De entre las canciones interpretadas aquel día he escogido “Cass, la chica más guapa de la ciudad”, una versión anterior a la definitiva que apareció en el disco “Otra Ronda”, el segundo de los grabados con el sello zaragozano “Interferencias” en el año 1988. La calidad de las imágenes y el audio no es que sea muy buena pero, siendo conscientes de los medios técnicos de entonces comparados con los de hoy en día, es más que suficiente, y todavía más si valoramos la importancia de disponer ahora de estas imágenes grabadas hace más de 20 años que son historia de la música española. Para los interesados, el resto de los vídeos se pueden ver buscándolos en el canal “amimanera9” donde, además de los de “Más Birras”, se alojan casi 400 vídeos de actuaciones de otros grupos de aquella época.

Vaya pues este recuerdo en memoria de Mauricio Aznar Müller (Zaragoza, 1964-2000), alguien que fue mucho más que un amigo y que con estas viejas imágenes vuelve a tomar vida.

Salvador Flores Rivera, "Chava Flores"

2010-09-11T01:24:00.008+02:00

Un día, hace mucho tiempo, un amigo músico que volvía de México, después de haber estado una buena temporada en Distrito Federal moviéndose por los ambientes musicales del hardcore y el punk, y sabiendo mi afición por la música de aquel país, me regaló -asegurándome que me iba a gustar- una cinta de casete de un tal Chava Flores. Me encantó, y me sorprendió. No me esperaba una cosa así. Ya han pasado unos cuantos años desde entonces… La escuché una y otra vez, me aprendí algunas de las canciones, la distribuí entre mi circulo de amigos… Era algo inclasificable dentro de los géneros de la canción mexicana estandarizados. Eran canciones festivas, alegres y divertidas pero en sus letras encerraban un humor cítrico y crítico que traspasaba la coraza graciosa y pegadiza en la que se envolvían. Eran canciones que estaban centradas en una época y en unos sitios muy determinados de la capital mexicana en aquellos efervescentes años cuarenta y cincuenta, en donde hubo un gran trasiego de personas que emigraban desde las zonas rurales a las ciudades, principalmente a la capital del país, Distrito Federal. Lo curioso es que estas canciones compuestas hace más de cincuenta años, que hablan de sitios que no conozco, que cuentan historias de la gente normal de entonces, que describen lugares, que hablan de sensaciones, anhelos y sueños, que retratan situaciones de entonces en Ciudad de México y sus barrios, aquí y ahora, en España, me resultan frescas y actuales, tanto o más que cuando se cruzaron en mi camino hace ya casi veinte años.

De la vida y milagros de don Salvador Flores Rivera, como se llamaba oficialmente “Chava Flores”, poco voy a contar en esta entrada. Enlazare su página personal y allí podrán, los interesados, ampliar su conocimiento sobre tan insigne personaje. Aquí tan sólo dejaré unas pinceladas extraídas del Curriculum Vitae que el propio artista elaboró en 1978, en el que se define como: “Compositor de canciones festivas relacionadas con la ciudad de México e interprete de las misma”. Nació en el barrio de “La Merced”, el 20 de enero de 1920 y, por diversas circunstancias familiares, vivió, prácticamente, en todos los barrios de Ciudad de México. A la edad de 13 años murió su padre, lo que le obligó a trabajar para aportar dinero a la familia. No tuvo suerte en los distintos negocios que fue montando a lo largo de su vida. El primero, una camisería que en 1945 quebró. Luego vendió cuadros, calcetines, zapatos; administró una ferretería en quiebra y cuando se acreditó, la vendieron. Su hermano Enrique le dio dinero prestado y abrió una salchichonería que también fracasó y con el dinero que pudo recuperar, compró un camión repartidor de carne, tuvo problemas y se metió a trabajar en una imprenta; entonces tuvo la idea de editar un cancionero que recogiera las obras de los compositores y sus interpretes y, con dinero prestado por parte de algunos amigos, publicó, en 1949, el “Álbum de Oro de la Canción” y, aunque esta iniciativa también fracaso en un par de años, le permitió relacionarse con los compositores e intérpretes del momento.

En 1951 compuso su primera canción, “Dos horas de balazos”, que gusto a las compañías de discos y fue grabada el 11 de enero de 1952. Su segundo tema es, “La Tertulia”, otro éxito, y a partir de este, lanzó al mercado un éxito por mes, alcanzando en poco tiempo gran popularidad en México y Estados Unidos. Esto le llevo por carpas y cabaret de todo el país. También participó en cinco películas de cine que el mismo califica de “puros churros”. Viajo por distintos países de América Latina y llegó a una sabia conclusión cuando dice: "la única estupidez son las fronteras, porque todos pensamos de una manera similar. La prueba es que nos traen folclor argentino y la gente queda con los ojos cuadrados, por lo hermoso que es, no por extraño. ¿Por qué? Porque a usted le tocan un bambuco colombiano y le parece música yucateca, y le tocan música venezolana y se parece a la veracruzana. Entonces, todos los jóvenes se identifican con el sentimiento latino".

En la primera mitad de la década de los sesenta decayó su estrella y su nombre se fue sumiendo en el olvido. Pero con el comienzo de los 70 empezó a ser reclamado para recitales por otro tipo de público, esta vez eran los jóvenes, “la chamacada”, los llamaba él. En 1973 fue invitado al programa “La canción desconocida” de Tomás Perrín, en “Canal 5” de televisión, en donde interpretó sus éxitos y significo un relanzamiento de su carrera. Una segunda oportunidad a los 53 años, y la aprovechó. En 1978 ofreció con mucho éxito un recital en la Escuela de Artes Plásticas de la UNAM. Obtuvo infinidad de diplomas y reconocimientos que dan testimonio de su carrera de autor y compositor con sus obras de mayor éxito. A últimas fechas vivió en la Unidad Cuitlahuac, en la Ciudad de México, y trabajó en peñas como "El mesón de la guitarra" y "Tupac". En 1986 cambió su residencia a la ciudad de Morelia, Michoacán; ahí trabajó intensamente en el “Sistema Michoacano de Radio y Televisión” donde tenía un programa en el “Canal 2” que se retransmitía para toda la nación. En agosto de 1987 enfermó y fue trasladado a Ciudad de México, donde falleció el día 5 de ese mismo mes. Fue sepultado en el lote de los compositores del Panteón Jardín, al son de la notas de su canción "La Bartola", que en realidad se titula "Peso a peso".

Chava Flores dejaba un repertorio de más de doscientas composiciones que el mismo cantaba con su peculiar estilo, aunque fue, quizás, la interpretación que de muchos de sus temas hiciese Pedro Infante en discos y películas, lo que consiguió popularizar sus canciones. Además de Pedro Infante, hubo muchísimos interpretes que grabaron a Chava Flores, entre ellos: Arturo Alegro, Amparo Ochoa, Tehua, Víctor Iturbe El Pirulí, Fernando Rosas, Rubén Schwartzman, Gabino Palomares, Verónica Castro, Julieta Bermejo, el Trío Los Mexicanos, Ángel Cervantes, los Joao, Los Costeños, Julio Aldama, Jorge Macias, Los Morales, Irma Infante, Los Folkloristas, Cepillín, Tatiana, Oscar Chávez, Luís Pérez Meza, Agustín Isunza, Rosita Quintana, Lalo González “El Piporro”, Los Socios del Ritmo, Tin Tan, La Miel, Los Bribones, Guadalupe Pineda o Manuel “Loco” Valdés, entre los más renombrados.

Por último, porque esto está alargándose demasiado, unas palabras del propio Chava Flores reflejando como enfoca su trabajo de componer canciones: "Los compositores servimos para brindar nuestros sueños a las personas que no saben soñar; para otorgar un poco de espíritu para los que anteponen al suyo mezquinos intereses; para darle a la vida un pequeño toque de nuestro propio sentimiento. La persona que canta, no es una persona que llora y guarda tristezas. Cuando un pueblo canta, el espíritu vibra y se llena de paz. Música y canciones surgen donde hay alegría y si hay alguna tristeza, también surgen para evocar recuerdos gratos, sueños pasados, sueños muertos que vuelven a la vida gracias a la mágica presencia de una canción. Trabajar por ello y para ello no es cosa fácil, aun cuando se tenga conciencia de las vicisitudes que se van a encontrar en el camino. Un compositor debe tener sentimientos para palpar todo esto y fuerza para seguir adelante aunque su esfuerzo no se valore pues, a pesar de ello, debe continuar hallando la fortaleza en su propia desilusión porque ésta, en sí, ya tiene un enorme valor, el valor incalculable de hacer nacer sueños nuevos y quizá éstos sean los mejores: Los sueños de la alegría; los sueños de la esperanza."

El repertorio de este podcast “10 de Chava Flores”, contiene 10 canciones que no requieren explicación.

POR ORDEN DE APARICIÓN

01 - Sábado Distrito Federal

02 - La boda de vecindad

03 - Pobre Tom

04 - La presentación

05 -Cerró sus ojitos Cleto

06 - La tertulia

07 - El retrato de Manuela

08 - La tienda de mi pueblo

09 - Llegaron los gorrones

10 - El baile de Tejeringo

Para completar esta entrada, enlazo un vídeo en donde Chava Flores canta fragmentos de algunos de sus temas y responde a diversas preguntas. Al final del mismo interpreta íntegramente el tema "Mi México de ayer". El vídeo ha sido subido por el portal pajarode400v0ces, en donde se pueden ver otros vídeos de Chava Flores.

Notas: Para los interesados en recabar más información sobre Chava Flores. En una entrada anterior, "Canciones para reir", figuran otras dos canciones de Chava Flores: "Herculano" e "Ingrata pérjida". Para acceder a la página de descarga de este podcast en formato Mp3.

L@s olvidad@s de la copla 04

2010-08-13T00:10:00.005+02:00

Vuelve la serie “L@s olvidad@s de la copla” para ocupar un lugar entre los podcast de “LaRadioLatina”. Este es el 4º programa dedicado a esas mujeres y hombres que ocuparon un lugar, más o menos destacado, en el mundillo de la canción española y que, con el paso de los años, han ido quedando relegados en la memoria musical de nuestro país. Hoy esta dedicado, salvo la última canción que es un pasacalle, al pasodoble, género emblemático de la canción española y, posiblemente, el que más composiciones aporta a lo que, genéricamente, llamamos copla.

Comienza el viaje con “Pasodoble, te quiero”, escrito en 1953 por el letrista Guijarro y el músico aragonés, de Ricla, Genaro Monreal. Esta versión, interpretada por Margarita Sánchez, una mujer que desarrollo su carrera entre el cuplé y la copla y que tuvo su mejor época en la década de los 50, fue grabada en 1961. “Amor que vienes cantando” es un pasodoble-jota compuesto por Flores, Llabrés y Codoñer para el espectáculo “Dos amores vienen cantando” que estrenaron Carmen Morell y Pepe Blanco en 1958. Esta pareja artística fue una de las más populares del mundo del espectáculo entre 1946 a 1961, año en el que se separaron. Pastora de Córdoba inicio su carrera artística en 1959, en los espectáculos de variedades que se celebraban en el Price madrileño, alternando, entre otras, con Antoñita Romero. El número que interpreta en este podcast, “Pastora y Ganadera”, fue grabado el 11 de mayo de 1960. “Feria de Coplas” es un pasodoble original de Ignacio Román y Rafael Jaén grabado en 1966 por Diego de los Reyes. Continua la presente audición con “Ni se compra ni se vende”, otro pasodoble original de Guijarro y Monreal, estrenado por Imperio de Triana y versionado por muchos de los grandes de la copla. Esta versión la interpreta Pepita Arcas, una cantante no muy conocida en España, de hecho, sus tres primeros discos fueron grabados para el sello francés “Typic” al comienzo de la década de los 60.

La segunda parte del trayecto arranca con el pasodoble “Cantándole a España”, que era uno de los números que formaba parte del espectáculo “Retablo de maravillas”, que escribieron Salvador Guerrero y Castellanos, en 1958, para Antoñita Moreno que, en esa época, era una de las cantantes más reconocidas de la canción española. La grabación en disco -esta que pueden escuchar- se produjo al año siguiente, en 1959. Irene Vilches, conocida en los ambientes artísticos con “la voz de plaza”, se inició en el mundo de la canción al final de la década de los 40. El pasodoble que interpreta en esta grabación, “De Madrid a Sevilla”, fue compuesto por Juan Sánchez y grabado, con la orquesta del maestro Gregorio García Segura, en el año 1957. Y una vez Sevilla… ¡Qué mejor que cruzar el río y darse una vueltecita por Triana! En ese paseo nos acompaña Anita Rosa, una precoz artista sevillana, de la calle Feria, que a los 16 años encabezaba su propia compañía con un espectáculo que llevaba por título “Ruiseñor de plata”. En ese espectáculo, que se estrenó en el mes de noviembre de 1951 en el Teatro “Álvarez Quintero” de Sevilla, ya figuraba este pasodoble, “Sevilla y Triana”, de Currito y, de nuevo, el maestro Monreal, que fue uno de los números triunfadores. Nos acercamos al final de este podcast con la voz de Salvador interpretando uno de sus temas bandera, “La soleá de mi pena”, un pasodoble compuesto por Gallardo y N. Sánchez, con el acompañamiento de la Orquesta Montilla, dirigida en esta ocasión por el maestro Rafael Ibarbia. Y para cerrar este programa, el recuerdo y la voz de una cantante madrileña que tuvo la desgracia de abandonar este mundo, cuando era más que una firme promesa, a los 23 años. Se trata de Mari Paz, una cantante que dejó honda huella entre el público madrileño y entre los hombres y mujeres más importantes de la canción española, nuestra de ello es el homenaje que se le tributó en 1946, con un mausoleo que recuerda su figura y que fue impulsado por nombres tan importantes como: Juanita Reina, Celia Gámez, Lola Flores, y de la fabulosa “cuadrilla de la copla”, Antonio Quintero, Rafael de León y el Maestro Quiroga. Dejamos el pasodoble, nuestro acompañante a lo largo de todo el recorrido, y nos vamos con un pasacalle, un pedazo de tema firmado por los más grandes, Quintero, León y Quiroga, autores de estas “Coplas de Luis Candelas”.

Por último, agradecer que exista ese baúl -mucho más grande que el de la Piquer- cargado de coplas, un auténtico tesoro para los amantes de este género, como es el Blog “Reminiscencias de la Copla”, de donde están sacados muchos de los temas que suenan en esta serie de podcast y gran parte de la información. El trabajo de rescatar todo este material amenazado de extinción no tiene precio. Decir, una vez más, que los podcast se pueden escuchar en los reproductores alojados en está página. Recordar que también pueden ser descargados en formato Mp3 para ser escuchados posteriormente en el ordenador o en cualquier otro dispositivo portátil.

Repertorio por orden de aparición:

01 - Pasodoble, te quiero - Margarita Sánchez (1961)

02 - Amor que vienes cantando - Carmen Morell y Pepe Blanco

03 - Pastora y ganadera - Pastora de Córdoba (1960)

04 - Feria de coplas - Diego de los Reyes (1966)

05 - Ni se compra ni se vende - Pepita Arcas (1964)

06 - Cantándole a España - Antoñita Moreno (1959)

07 - De Madrid a Sevilla - Irene Vilches (1957)

08 - Sevilla y Triana - Anita Rosa

09 - La soleá de mi pena - Salvador (1962)

10 - Coplas de Luís Candelas - Mari Paz (1958)

Nota: Para descargar este podcast en formato Mp3 entrar en esta página.

Rincones de Zaragoza - Desembocadura del Gállego

2010-07-05T19:08:00.004+02:00

Ha veces Zaragoza te sorprende y encuentras rincones como el que nos trae el vídeo que enlazo al final de esta entrada. En el límite oriental de la ciudad se entremezclan las aguas del Gállego con las del Ebro. Este era un sitio por el que deambulaba con frecuencia hace años, cuando estaba salvaje, mucho antes de que reformaran esta parte de las riberas con motivo de la Expo del 2008. Era un lugar donde se ubicaban las chatarrerías, sobre todo de coches escacharrados apilados en grandes montones, además de una especie de vertedero público de basuras de todo tipo. También estaba en esa zona, y sigue estando pero no se en que condiciones, el campo de fútbol del Arenas, un histórico equipo zaragozano cuya fundación se remonta a la del propio Real Zaragoza y, cuentan, que allá por los treinta se enfrentaron en la máxima categoría del fútbol. El nombre del campo, al que acudí numerosas veces, no podía ser más apropiado para el sitio donde estaba ubicado: "Entrerrios", pues se situaba en este punto de la confluencia de los dos ríos. Llegar a este punto me ablandó la memoria... y me trajo una sorpresa.

Este rincón olvidado -uno de mis espacios habituales en su momento- se me presentó de golpe, sugerente, un domingo por la mañana aliviado por una fresca brisa que invitaba a pasear. Siguiendo por la ribera izquierda más allá de los bloques de viviendas de Vadorrey, seguí un camino que transcurrida paralelo a un carril bici y que desembocaba en un parque plantado de flores aromáticas. En el rincón más lejano del parque se abría una senda de madera que invitaba a ser seguida. Se adentraba hacia un frondoso y espeso túnel formado por el ramaje de hierbas silvestres que surgían del suelo y se entremezclaban enmarañadamente con las ramas de los árboles que se vencían hacia tierra. El camino continua zigzagueante unos doscientos metros y se abre a una balconada donde se despeja el horizonte y se contempla el sitio exacto en que las aguas del ríos Gállego se suman a las del Ebro. Me causó sorpresa. En Zaragoza, capital del desierto más grande de Europa, un escondido rincón que nos transporta, durante unos minutos, a usa especie de selva tropical. Bien se merece un paseo.

Mano a mano: Roberto Carlos & Benito di Paula

2010-06-26T20:05:00.009+02:00

El presente podcast es un mano a mano entre dos cantantes brasileños que publicaron en España discos cantados en español en la década de los setenta. El uno, Benito di Paula, pasó prácticamente desapercibido para el gran público, por contra, Roberto Carlos, triunfó con rotundidad, apareció en muchos programas de televisión de la época y realizó incontables actuaciones por toda España. Son cosas que pasan. Lo cierto es que tanto el uno como el otro son dos grandes músicos y este mano a mano es una ocasión para comparar sus voces, sus estilos y sus canciones.

Benito di Paula es el nombre artístico de Uday Veloso, nacido en Nueva Friburgo un 28 de noviembre de 1941, es pianista, cantante y compositor. Alcanzó gran notoriedad en Brasil en los años setenta. Su estilo musical es conocido como "samba joya", al combinar el samba tradicional con piano y arreglos románticos y jazzisticos. Desde 1968 hasta 1996 tiene grabados 26 discos. Después de 13 años sin grabar nada, en 2009 volvió al estudio para realizar un nuevo trabajo incluyendo un DVD en directo. En los años setenta llego a rivalizar en ventas con su oponente en este podcast, Roberto Carlos, que cuenta en su repertorio con unos cuantos temas compuestos por Benito di Paula.

Roberto Carlos Braga Moreira también nació en 1941, un 19 de abril, en el estado de Espita Santo. En los años 60 fue uno de los pioneros del movimiento musical “joven guardia”, influenciado por la música de The Beatles. Pero fue en los años setenta cuando alcanzó gran popularidad al empezar a grabar canciones más románticas lo que le llevó a triunfar, además de en su país, en toda Latinoamérica y en España. Como curiosidad decir que es el único cantante latinoamericano que ganó el popular Festival de San Remo. De su extensa discografía se han vendido más de 100 millones de discos. En España, en los años setenta, fue un número uno y muchas de sus canciones forman parte del bagaje musical de varias generaciones.

Pero esta entrada no pretende profundizar en la biografía de uno y de otro sino presentar un puñado de canciones de estos dos grandes cantantes que, en la actualidad, aún siguen en activo y que se pueden escuchar en el siguiente podcast. Para los que estén interesados en profundizar en su historia les dejo el enlace de sus respectivas páginas web oficiales: Roberto Carlos - Benito di Paula.

Repertorio por orden de aparición:

01 - Capricho de la vida - Benito di Paula

02 - Un millón de amigos - Roberto Carlos

03 - Protejan las mariposas - Benito di Paula

04 - El progreso - Roberto de Carlos

05 - Hombre de montaña - Benito di Paula

06 - Sentado a la vera del camino - Roberto Carlos

07 - Canción de vivir - Benito di Paula

08 - Detalles - Roberto Carlos

09 - Bandera del samba - Benito di Paula

10 - Amigo - Roberto Carlos

CAMARÓN: LA LEYENDA DEL TIEMPO

2010-06-17T16:28:00.021+02:00

El flamenco empezó a interesarme tras escuchar "La leyenda del tiempo", el disco que grabó Camarón en 1979, producido por Ricardo Pachón con la colaboración de diversos músicos del rock y jazz andaluz que por aquella época gozaban de cierto auge. Fue un rotundo fracaso de ventas y vituperado con extrema dureza por la crítica especializada y los puristas del género -rechazo que, en muchos casos, llega hasta el día de hoy-, sin embargo, para mí, fue una puerta que se abría.

Al cumplirse 30 años de su publicación, el pasado año 2009, Televisión Española, en colaboración con Ático 7, La Zanfoña Producciones y la Junta de Andalucía, produjo el documental "Tiempo de Leyenda", dirigido por José Sánchez Montes, en donde, con los testimonios de los que participaron en su creación, se explica como se gestó su grabación y la repercusión que, con el paso del tiempo, ha tenido.

CANCIONES PARA REIR

2010-06-12T12:21:00.006+02:00

Muchos estudiosos del tema aseguran que la risa es beneficiosa para la salud de las personas y que, incluso, puede servir para curar enfermedades. De esto se ocupa una disciplina médica llamada “risoterapia” que según los que la defienden: “rejuvenece, elimina el estrés, tensiones, ansiedad, depresión, colesterol, adelgaza, dolores, insomnio, problemas cardiovasculares, respiratorios y cualquier enfermedad. Nos aporta aceptación, comprensión, alegría, relajación, abre nuestros sentidos, ayuda a transformar nuestros pautas mentales”, entre otras cosas. No pretende esta entrada profundizar en este tema sino presentar un podcast con una selección de canciones que inducen a reír y, en estos momentos en que el panorama social en el que estamos inmersos no es precisamente muy halagüeño que digamos, quizás puedan ayudar a algunos de los que se detengan media hora en su escucha, que es lo que dura el programa, a esbozar una sonrisa, relajarse y sentirse más aliviados. Pero vayamos al grano pasando a explicar someramente algo sobre el repertorio de canciones, sus autores y los artistas que las interpretan. La música es un vehículo para trasportar emociones y sensaciones que ha acompañado al hombre desde el principio de los tiempos y, como no, el humor es uno de los temas utilizado con mayor profusión en sus letras. Pues en eso estamos, en una selección de canciones para reír.

Repertorio por orden de aparición:

01 - Soy universitario - Pepe Iglesias “El Zorro”

02 - Personalidad - Tin Tan

03 - La suegra - Los Teen Tops

04 - Orgullosa - Los Casanova

05 - Ingrata perjida - El Piporro

06 - Herculano - Chava Flores

07 - Mi toro nevao - “Emilio “El Moro”

08 - Je t'aime - Los Hermanos Calatravas

09- El Oni - La Charanga del Tio Honorio

10 - El Tio Calambres - Luís Aguilé

Para empezar, ahora que llega el tiempo de los exámenes y las vacaciones escolares veraniegas, qué mejor que hacerlo con una pieza que habla precisamente de esto, de los estudiantes, y que lleva por título, “Soy universitario”, según los créditos del disco, un “zorroson” a ritmo de cha- cha-cha. Su autor e intérprete es Pepe Iglesias “El Zorro”, un humorista argentino que alcanzó su mayor popularidad por medio de la radio. Después de triunfar con rotundidad en su país, en 1952 cruzó el charco y se instaló en España, donde también le sonrió el éxito. Desde la “Cadena Ser” hizo disfrutar a muchos españoles que estaban pendientes de la emisión de sus programas y alcanzó gran popularidad. “Tin Tan” es el nombre artístico de Germán Genaro Cipriano Gómez Valdés Castillo, nacido en pleno dentro de la capital mexicana en 1915. Actor de éxito, comediante y humorista que, desde 1943 hasta 1972, actuó en infinidad de películas, en las que solía interpretar canciones, pues también era un buen cantante. En este podcast interpreta uno de sus mayores éxitos a ritmo de swing, “Personalidad”, incluido en la película “El violetero”, estrenada en el año 1960.

“La suegra” es una adaptación en castellano del rock&roll “Mother in Law”, de Ernie K-doe, que habla de la problemática de este personaje en las parejas que contraían matrimonio entonces, y ahora. Está interpretado por los Teen Tops, un grupo mexicano que alcanzó gran éxito en los primeros años sesenta tanto en su país, como en Latinoamérica, Estados Unidos y en España que, alejada -por las circunstancias sociales por las que atravesaba el país en aquellos años- de las modas musicales que surgieron en Norteamérica en aquellas décadas, jugaron un destacado papel en los gustos musicales de los jóvenes españoles de entonces y un acicate para los grupos de rock que empezaban a crearse en aquellos años. El tema apareció en su tercer disco grabado en 1961. Continua la selección con el dúo cómico “Los Casanovas”, procedentes también de la tierra azteca y que hacen una mezcla entre la música mexicana y la caribeña, que interpretan “Orgullosa”, una plena portorriqueña sazonada con diversos chistes fáciles que fue grabada en 1959. Continua la selección con “Ingrata perjida", una composición de don Salvador Chava Flores interpretada por otro gran actor mexicano, Eulalio González Ramirez “El Piporro”. Este personaje, procedente de Monterrey, empezó en la radio como anunciante y, por su peculiar estilo y creciente fama, Pedro Infante lo recomendó para interpretar junto a él una radionovela, en donde interpretaba un personaje con el nombre que a partir de entonces se convirtió en su nombre artístico. Dado el éxito de la serie radiofónica, fue llevada al cine, con el protagonismo de Sara Montiel y el propio Pedro Infante, en 1951, en donde Eladio interpreta el personaje que lo hizo popular. Ahí comienza su carrera cinematográfica que complementó con su faceta de cantante y compositor de música norteña, ya que procedía del estado de Nuevo León.

Capítulo aparte merece el siguiente interprete, aunque su mayor aportación fue como compositor, que ya ha sido citado en el párrafo anterior. Se trata de Salvador Flores Rivera, de nombre artístico Chava Flores. Sus canciones fueron interpretadas, entre otros, por Pedro Infante, José Alfredo Jiménez, Oscar Chávez o Miguel Aceves Mejía. Interpreta uno de sus grandes éxitos, “Herculano”, en donde da muestras de su humor ácido, y en este caso, algo escatológico. Actuó en las carpas y cabaret de todo México y alcanzó gran popularidad, además de en su país, en Latinoamérica y Estados Unidos. Es un cronista social que retrata en sus composiciones cargadas de humor socarrón la vida de las gentes de su país. Pero no quiero alargarme más en este punto porque en su día tendrá un programa íntegramente dedicado a él, aunque será difícil seleccionar diez títulos por lo extenso e interesante de su repertorio.

Emilio “El Moro” es el nombre artístico de Emilio Jiménez Gallego, natural de Melilla. Cantaor, guitarrista y humorista que alcanzó gran popularidad versionando los grandes éxitos de la copla pero cambiando la letra original por otra de corte humorístico. Un ejemplo es la canción que nos presenta en esta selección, “Mi toro nevao”, original de Manuel Villacañas y Francisco Almagro, en donde cambia todo lo bueno que narra el original por lo contrario, aunque tal y como está el mundo del toro en la actualidad se podría decir que la parodia se acerca mucho más a la realidad que el original, pero eso es harina de otro costal. El siguiente tema es un cambio total tanto en en el estilo, como en el ambiente, pues se trata de una versión de la popular “Je t’aime”, aquel monólogo interpretado por la cantante francesa Jane Birkin que escandalizó a medio mundo y que en España, en los tiempos en que la censura campaba por sus respetos, fue prohibida. Son los Hermanos Calatrava, popular dúo de humoristas en los años setenta, los que hacen una versión sorprendente. Ha continuación es La Charanga del Tio Honorio, una banda de “roz rurá” de los años setenta, la que pone el contrapunto con un tema que nos transporta al mundo de lo desconocido, “El Oni”, que narra las opiniones que les produce a dos pueblerinos la aparición en el cielo de un “Objeto Nasoluto Identificao”. Y si hemos empezado este viaje musical con un argentino afincado en España, hacemos lo propio para cerrarlo, porque Luís Aguilé nació en Buenos Aires, aunque su carrera artística discurrió en su mayor parte en España, en donde se estableció en 1963, y en donde murió hace apenas un año, en 2009. La canción que cierra este podcast es “El Tio Calambres”, un gran éxito en clave humorística de los últimos años de la década de los sesenta. Y, como dice la canción… Se acabó.

COPLA EXÓTICA

2010-05-29T03:01:00.009+02:00

Un estilo tan cuadriculado como el de la copla, muy encorsetado en rígidos ritmos europeos de dos y tres tiempos, es difícil imaginárselo dentro de los patrones rítmicos afrocubanos en los que se basa la mayor parte de la música caribeña. Si en otros estilos musicales si que se ha producido una constante fusión que ha hecho evolucionar la música de las dos orillas, en la copla no ha sido así y son más escasos los ejemplos, pero haberlos hailos. De eso trata esta entrada, de comentar brevemente algo sobre los temas que suenan cuando pican en el “play” del reproductor de podcast incrustado a continuación.
El repertorio, por orden de aparición, es el siguiente:

01 - El relicario (The Clevers)

02 - El beso (Tito Puente & Eddie Palmieri)

03 - Ojos verdes (Combo de la Estrellas)

04 - La Virgen de la Macarena (Pérez Prado)

05 - A la lima y al limón (Banda de la USAF)

06 - Dos cruces (Los Relámpagos)

07 - Gitana (Willie Colón)

08 - Te lo juro yo (Jairo Paternina)

09 - Achilipú (Fruko y sus Tesos)

10 - España cañí (The Spotnicks)

Rompe el fuego una trepidante versión, a ritmo de twist, de uno de los pasodobles legendarios de la canción española, “El Relicario”, del maestro Padilla. Es posible que fuera el primer gran éxito internacional de nuestra copla. Fue Raquel Meller la que lo popularizó en toda España, en Francia, donde tenía un extraordinario cartel en la época en la que Paris era la capital del mundo, en aquellos alocados años 20, y en América, en donde la cantante aragonesa llego a ser portada de la revista “Life”, algo reservado a los escogidos por la fama. Pero no era de Raquel Meller de quién tenía que hablar aquí sino del grupo que versionea su creación. Se trata de un grupo brasileño, “The Clevers”, que lograron su primer éxito nacional, precisamente, con este tema aparecido en su primer disco allá por el año 1962. Al cabo de varios años de funcionar con este nombre, por razones de derechos legales, tuvieron que cambiar lo por el de “Os Incríveis”, con el que se mantuvieron en activo, que yo sepa, hasta finales de los años ochenta. De Brasil volamos a New York, capital de la salsa en la década de los setenta. Alrededor del sello discográfico “Fania” se aglutinan los músicos portorriqueños y, por añadidura, todos los latinos, y se genera un movimiento musical que rompió los limites de la ciudad y se consolido internacionalmente. Son dos de sus principales personajes, el timbalero Tito Puente y el pianista Eddie Palmieri, los que firman esta versión de “El Beso”, de Adrián Ortega y Fernando Moraleda, otro de los pasodobles legendarios de la copla española que con este ritmo incita a moverse de forma muy distinta a la que es habitual en el pasodoble.

De vuelta para el cono sur americano, aterrizamos en Colombia y nos encontramos con una versión de uno de los indiscutibles números 1 de la copla, “Ojos verdes”, composición de la “gran cuadrilla de la copla” (Quintero, León y Quiroga), que Conchita Piquer interpretó de forma excepcional. Aquí, en Colombia, se ocupan de ello la orquesta “Combo de Estrellas” encuadrándola dentro del ritmo sabroso y caliente de la cumbia. Cuba es la siguiente parada en este viaje, o México, que es donde Pérez Prado consolidó su nombre como figura internacional y desarrolló gran parte de su carrera. El que esta considerado como el inventor del mambo -cosa muy discutible- dicen que invento este ritmo en Cuba y lo domesticó en México. La operación consistió en bajar un buen puñado de puntos la velocidad del metrónomo, lo cierto es que si Dámaso Pérez Prado no fue su inventor si que fue su mayor propagandista y con este ritmo triunfó en todo el mundo durante muchos años. Uno de los clásicos de su repertorio fue este mambo de marcado acento español, “La Virgen de la Macarena”, compuesta por A. Ortiz Calero y B. Bautista Monterde, y que es un pasodoble muy popular en tierras mexicanas y habitual en las corridas de toros que allí se celebran. Volamos de nuevo a USA, pero esta vez a bordo de un avión de las fuerzas armadas norteamericanas. De la calidez de los ritmos tropicales, pasamos a la norma y la rigidez de la banda militar, pues es, ni más, ni menos, la “Banda de la USAF” (The Unites States Air Force Band), la que interpreta otro de los números clásicos del repertorio de la canción española, “A la lima y al limón”, también original de la genial "cuadrilla de la copla”.

Raudos con los relámpagos aterrizamos en España para escuchar una particular versión de otro de los grandes temas del repertorio español, el bolero “Dos cruces”, de Carmelo Larrea, interpretado por uno de los grupos pioneros en importar los ritmos del angloamericanos del “rock & roll”, el “twist” y demás variantes en nuestro país en los primeros años sesenta, “Los Relámpagos”, que a su vez también se ocuparon de versionar en estos ritmos multitud de canciones clásicas y populares españolas, como es el caso de esta. De vuelta a New York porque otro de los pilares del resurgir de la música latina en el mundo entero fue el boricua Willie Colón, trombonista, arreglista y cantante. “Gitana”, el tema elegido, es una creación de Manzanita, de su primer disco “Poco ruido y mucho duende”, cobra nueva vida en esta versión que llega directamente desde “El Barrio” latino de la gran manzana. La cumbia colombiana vuelve a ser el patrón de la siguiente canción, Jairo Paternita interpreta otro de los temas imprescindibles de la copla, “Te lo juro yo”, de la misma “cuadrilla” citada anteriormente y que interpretara de forma genial el gran Miguel de Molina.

Un éxito tremendo fue, en la España de los años ochenta, el siguiente tema de la selección, “Achilipú”, creación de la temperamental Dolores Vargas “La Terremoto”, con el que alcanzó gran popularidad. La versionea uno de los más carismáticos grupos colombianos de los años setenta, “Fruko y sus Tesos”, formación por la que han desfilado todos los grandes cantantes colombianos desde hace más de trenta años. Para finalizar el programa volvemos a lo más clásico, un pasodoble que por si mismo nos representa como país, “Spanish gipsy dance”, o lo que es lo mismo y lo entendemos mucho mejor, “España Cañi”, del maestro Pascual Marquina, que es realidad el tema que interpretan, a ritmo de “rock & roll”, “The Spotnicks”, un grupo sueco de los primeros años sesenta que, entre otros, publicó un disco con un titulo muy clarificador: “The Spotnicks in Spain”. En este disco, junto a esta pieza, figuran otras de marcado carácter español que, si se tercia, en otra ocasión quizás programe. Y hasta aquí esta selección de copla que he dado en llamar exótica, simplemente, por la procedencia geográfica de la mayoría de las versiones que han estado situadas en el caribe y sus alrededores.

Nota: Si les ha gustado el podcast y desean guardarlo para escucharlo en otra ocasión, o en su reproductor mp3, pueden descargarlo desde la opción "rss" del reproductor. Salud y Suerte.

10 DE CARLOS GARDEL

2010-05-14T02:49:00.008+02:00

Lo más difícil de seleccionar diez canciones de Carlos Gardel es precisamente eso, seleccionarlas. Son muchas las que se merecerían entrar en esta selección y ahí está la dificultad. Al final, y después de escuchar un buen puñado, te vas decantando por unas u otras dependiendo de los recuerdos que te traen. En su lugar podrían estar títulos legendarios y que están en la mente de todos los amantes del tango. Quizás en otra ocasión lo estén si esta serie dedicada al inventor del tango cantado continua con otras entregas posteriores. Las elegidas son las que forman el repertorio grabado y que pueden escuchar dándole al play del reproductor de podcast situado al final de esta entrada.

Empieza la selección con un tango histórico, “Mi noche triste”. El primer tango cantado de la historia en público. El protagonista de esa efemérides, que ocurrió en un ya lejano 1917, fue Carlos Gardel. De esta forma quedaron asociados para siempre el nombre de Carlos Gardel con del tango. De esta forma comienza una nueva forma de interpretar lo que hasta ese momento había sido música instrumental para acompañar los bailes en los conventillos. A partir de ese momento la carrera de Gardel fue meteórica y triunfa en todos los países de habla hispana, asiduos fueron sus viajes a España en su corta carrera; en Paris, capital del mundo en aquellos años que impone modas y modos de vivir; y en el cine, en los primeros años del sonoro, que hicieron llegar su música y su imagen a todos los rincones del mundo civilizado.

El tango, como todas las músicas populares que se mantiene vivas, es una forma de contar historias de las personas y retratar el ambiente de determinados lugares y determinadas épocas. En los que forman esta selección podemos encontrar casi todos los temas que centran las letras de los tangos. Desde el compadrito que se venga de la mina que lo traiciona en el baile de un conventillo, en “De puro guapo”, a la desesperación que provoca el comportamiento de una mujer que abandona a su hombre o se dedica a la mala vida, como en “Esta noche me emborracho” o en “Che papusa, oi”. O la ambigüedad de “Por una cabeza” entre una cabeza de mujer que se te escapa de las manos y la cabeza de un caballo por el que has apostado en el hipódromo y que entra una cabeza por detrás del ganador. Aunque el fatalismo de las mujeres como tema predominante del tango se rompe con “Victoria”, en donde el abandonado celebra que su mujer se halla ido con otro.

Cambia el ritmo del tango cuando Gardel, acompañado por la orquesta de Terig Tucci, acomete sin complejos el ritmo de moda en el Caribe en aquellos años 30, la rumba. El titulo del tema, “Sol tropical”, lo anuncia claramente y el cantante lo borda. “Soledad” es una canción que siendo uno de los temas, en mi opinión, más redondos de sus creaciones, del que además es autor junto a su inseparable Alfredo Le Pera, está como olvidado en el repertorio del cantante argentino, aunque nacido en Toulouse, Francia, a finales del siglo XIX. “Yira, Yira” en cambio, y con toda razón, si que está entre los que muchos recuerdan más fácilmente del repertorio de Carlos Gardel, es la antesala del final. El humor corrosivo y directo de “Al mundo le falta un tornillo”, en donde se tratan temas de hace un siglo pero de rabiosa actualidad en el presente, es el broche final de esta selección de tangos y canciones interpretados por Carlos Gardel.

Como esto no pretende ser más que una corta introducción de los contenidos de este podcast y no pretende profundizar ni en la vida y la obra de Gardel, ni en la de los autores de los números musicales seleccionados, la información de sus nombres figura al lado de cada canción de la que son autores en la lista del repertorio que va a continuación.

Por orden de aparición:

01 - Mi noche triste (J. Castriota - Pascual Contursi)

02 - De puro guapo (Rafael Iriarte - Juan Carlos Fernández Díaz.)

03 - Che Papusa, Oi (E. Cadícamo - G. Matos Rodríguez)

04 - Por una cabeza (Carlos Gardel - Alfredo Le Pera)

05 - Esta noche me emborracho (Enrique Santos Discépolo)

06 - Victoria (Enrique Santos Discépolo)

07 - Sol tropical (Terig Tucci - Alfredo Le Pera)

08- Soledad (Carlos Gardel - Alfredo Le Pera)

09 - Yira, Yira (Enrique Santos Discépolo)

10 - Al mundo le falta un tornillo (E. Cadícamo - J. M. Aguilar)

L@s olvidad@s de la copla 03

2010-03-27T00:29:00.006+01:00

"L@s olvidad@s de la copla", como se indica en la entrada anterior, es una serie de podcast destinados a recuperar la voz de los interpretes de la copla que, con el paso del tiempo, han caído en el olvido. Contar algo de sus vidas y sus canciones es el objetivo de estos artículos. De los programas anteriores -puesto que esto se va construyendo a impulsos y sobre la marcha- daré alguna explicación de lo que en ellos se escucha cuando vuelvan a aparecer sus interpretes en sucesivos programas. Centrémonos, pues, en esta tercera entrega en la que el repertorio, por orden de aparición, es el siguiente:

01 Puerta del Sol (Mercy Peña)

02 Cariño motorizado (Rosita Ferrer)

03 El terententén (Morucha)

04 Amanecí en tus brazos (Maruja Garrido)

05 Romance de la Lirio (Nati Mistral)

06 Convídame (Julita Díez)

07 El Bingo (El Príncipe Gitano)

08 Granaínas pop (Luisita de Huelva)

09 Juan Salvador (Pepe Baldó)

10 Romance de la Reina Mercedes (Nati Romero)

Mercy Peña, interpretando el pasodoble “Puerta del Sol”, de Manuel Gracia, abre esta tercera sesión de “L@s olvidad@s de la copla”. Las primeras noticias que tengo de su vida artística se remontan a 1964, cuando se anuncia con otros artistas en la popular “Sala Conga” de Madrid. A principios de 1965 participa en el espectáculo “Bronce y Solera”, que encabezaban Rafael Farina y “La Paquera de Jerez” con el que recorre los principales teatros de España. A continuación, a toda velocidad, viene Rosita Ferrer con su “Cariño Motorizado”, un pasodoble compuesto por la genial “cuadrilla de la copla”: Quintero, León y Quiroga. Fue grabado en 1958, año mágico para la artista catalana pues además de grabar algunos de sus éxitos discográficos. participaba en el espectáculo “Carrusel de Estrellas”, con “Gila” y “Estrellita de Castro”, con el que alcanzaron un gran éxito. Morucha, de la que no tengo información por el momento, interpreta el mambo gitano “El terententén”, del que tampoco conozco su autor.

José Alfredo Jiménez, posiblemente, el más grande compositor mexicano de todos los tiempos, es el autor del siguiente tema, “Amanecí en tus brazos”, un bolero ranchero de los de quitarse el sombrero. Maruja Garrido, natural de Caravaca de la Cruz, aunque hija adoptiva de Cartagena, era hija del cantaor “Niño de Levante”. Pronto emigró a Barcelona, donde en aquella época había mercado para la canción española, y triunfó. Se le puede considerar como una de las precursoras de la “rumba catalana”. Otra de sus especialidades era aflamencar canciones populares de otras latitudes, como la que interpreta en este programa. Nati Mistral continua la sesión interpretando magistralmente el “Romance de la Lirio”, de Rafael de León, el “poeta de la copla”, combinando el recitado con acompañamiento de guitarra y pasajes cantados de la copla popular. La artista madrileña, de nombre Natividad Macho Álvarez, combinaba la canción, el recitado de poemas, el teatro y, de forma más esporádica, el cine, y en todos los campos dejó su impronta. Julita Díez es valenciana y, según informaciones del pasado 2009, todavía sigue en la brecha, pero no dispongo de más información. Aquí interpreta un tema, grabado en 1962 para el sello Hispavox, titulado “Convídame”.

“El Príncipe Gitano” quiso ser torero pero, a pesar de su gran afición y de haber debutado, con poca fortuna, como novillero, cambio los ruedos y los trastos de torear por el micrófono y los escenarios. Enrique Castellón Vargas, que era su nombre, nació en Valencia y en 1949 presentó su primer espectáculo, “Coplas y Toros”. A partir de ese momento ocupó, durante mucho tiempo, un lugar destacado en el mundillo de la copla. En esta sesión interpreta “El Bingo”, grabación para el sello Olimpo en 1978, temas muy apropiado para la época en que se legalizó el juego en España. “Granaínas pop”, interpretada por “Luisita de Huelva”, es la siguiente canción de este programa. Grabada en 1974, nos ofrece una fusión de estilos, que en aquella época estaba muy de moda, de ritmos flamencos - media granaína a ritmo de rumba- con ritmos pop. De la artista, por el momento, no tengo ninguna información. Pepe Baldó, que es otro de esos interpretes olvidados en la actualidad, nació en tierras alicantinas, en Orihuela. Decidió dedicarse a la copla tras ganar un concurso de radio en Murcia. Emigró a Madrid, el otro centro comercial importante de la canción española, y debutó en el Teatro Maravillas con muy buena acogida. A los 19 años se presentó, en solitario, en el Circo Price y, cuando se empezaba a consolidar su nombre entre los cantantes del género, emigró a México, donde se estableció, y giró por todos los países de América con gran éxito. Interpreta un pasodoble campero, de Guerrero y Castellanos, que lleva por título “Juan Salvador”.

Se cierra esta tercera selección de “L@s olvidad@os de la Copla” con un clásico, uno de los temas mas redondos del género coplero, el “Romance de la Reina Mercedes”, de los ya mencionados Quintero, León y Quiroga. Esta versión la grabó, en 1971, Nati Romero, que era natural de Dos Hermanas y, desde muy joven, era asidua en todo concurso, festival o espectáculo organizado en su pueblo. Viajó a Madrid y, bajo la dirección del Maestro Quiroga, se presentó en diversos escenarios y grabó varios discos. No eran tiempos buenos para la copla que ella siguió en la brecha, grabando discos y actuando allá donde solicitaban su presencia. En 1989 apareció en el programa de Carlos Herrera, “Las Coplas” y en los noventa publicó tres álbumes y seguía actuando por Teatros y Salas de Fiesta de Andalucía. Y hasta aquí las breves notas sobre el contenido de este podcast. Decir, antes del punto final, que gran parte de la música seleccionada y mucha de la información suministrada proviene del Blog “Reminiscencias de la Coplas”, que hace una labor impresionante de recuperación y divulgación de la canción española en estos momentos en que no vive su mejor época. Mil gracias por ese trabajo impagable.

L@s olvidad@s de la copla 01 y 02

2010-03-04T02:30:00.016+01:00

Cuando hablamos de copla española nos vienen a la memoria unos cuantos nombres, no demasiados, que son los que van quedando en la memoria de la gente. Quizás hayan sido los mejores, los más carismáticos intérpretes y por eso sus nombres hayan perdurado al paso del tiempo y han quedado grabados junto con sus canciones emblemáticas, tampoco demasiadas, quedando en el olvido multitud de mujeres y hombres que en su día tuvieron un nombre y un repertorio que interpretaron en los escenarios de teatros, cafés cantantes o plazas de toros de toda España y numerosos países de habla hispana. Muchas de sus interpretaciones quedaron grabadas en aquellos viejos monosurcos de piedra o, cuando los adelantos de la técnica lo permitieron, en esos EP'S de cuatro canciones que se publicaban con profusión en los años 50 y 60 del siglo pasado. Un rico repertorio que ahora se está recuperando mediante la digitalización de las viejas grabaciones descatalogadas y que nos devuelven parte de nuestra historia musical.

Recordar a esos artistas, rescatar su voz, ponerla de nuevo en circulación y escuchar su forma de interpretar los grandes éxitos de la copla o canciones ya olvidadas es el propósito de "LaRadioLatina" con la serie de Podcast que está subiendo en su espacio. Por una parte para que los amantes de este género y los nostálgico vuelvan a recordarlos, y por otra, para que los que se acerquen al rico repertorio de la copla y sus interpretes no se queden en los nombres de los artistas consagrados y puedan tener una visión más rica de este género que en su día sonaba en todas las emisoras de radio y en todos los escenarios de pueblos y ciudades.

Los programas pueden ser escuchados en los reproductores situados sobre la lista de canciones, ser descargados en formato Mp3 para su posterior escucha en el ordenador o en cualquier reproductor de audio o teléfono móvil, o suscribirse para recibirlos en el momento de su publicación. Lo importante de esta iniciativa es volver a dar vida a voces y canciones olvidadas.

01 - Antoñita Peñuela - La espabilá

02 - Ana María - Campanera

03 - El Titi - Mambo macareno

04 - Molina y sus Gaditanas - El gran Reverte

05 - Niña de Antequera - Sombrero Postinero

06 - Carmen Florido - Lo nuestro no es así

07 - Ana del Río - ¡Qué bonito es Utrera!

08 - Adela la Chaqueta - Romance de la otra

09 - Gonzalo González - El Cordobés

10 - Estrellita de Palma - Mi mañica

01 - Finita Imperio - Emperatriz de la copla

02 - Luisa Linares y Los Galindo - Agua calentita

03 - Paquito Jerez - Billetes verdes

04 - Lolita Sevilla - Coplillas de las divisas

05 - Maribel Rivera - Cuatro amores

06 - Mikaela - Antonio Vargas

07 - Pepe Aznalcollar - Ojos verdes

08- La Terremoto de Málaga - El poeta lloró

09 - Margarita Sánchez - El Niño de la Monjas

10 - Pablo del Río - Si vas a Calatayud

Lhasa de Sela

2010-01-16T15:22:00.016+01:00

Se ha muerto Lhasa de Sela. Ayer, vagabundeando por la red, me encontré de golpe con la triste noticia. Fue el primer día del año, hace dieciseis días. Un cáncer que arrastraba desde hace dos años acabó con ella y enmudeció para siempre su maravillosa voz cuando tan sólo contaba 37 años de edad. Desde ayer estoy oyendo, una y otra vez, sus canciones.

Fue por casualidad que hace un par de años descubrí ha esta cantante y, de inmediato, me atrapó su voz. Una voz íntima y cargada de sensibilidad que era capaz de conmoverme en cada una de sus interpretaciones. Nunca tuve la oportunidad de verla actuar en directo, pero busque los vídeos colgados en las distintas plataformas de Internet y los visioné; investigué sobre su vida y todo ello no hizo sino confirmar mis primeras impresiones, era una persona capaz de transmitirme intensos sentimientos con la fuerza y belleza de su voz. Prueba de ello es un par de entradas que publiqué en este Blog cuando tuve conocimiento de su existencia, en una de ellas decía: "Una nueva voz de mujer me ronda por la cabeza desde hace unos días, Lhasa de Sela, la encontré por casualidad navengando por la red, y desde ese mismo instante no he dejado de escucharla. Estos descubrimientos son las mejores. Me gusta esa voz. Hay pasión, temblor y emoción en esa voz. Me conmueve, no me deja indiferente esa voz." En la otra enlacé un video con una de mis canciones preferidas: "Con toda palabra".

Había nacido Big Indian, una pequeña ciudad del estado de New York, el 27 de septiembre de 1972. Sus padres eran un escritor y profesor de español de origen mexicano, y una fotografa norteamericana. Su infancia transcurrió en un constante ir y venir, en un camión, entre México y Estados Unidos por lo que, desde siempre, estuvo influenciada por estas dos culturas. A los 13 años actuaba en un bar griego de San Francisco. Antes de cumplir los 20 años se trasladó a Montreal, donde sus hermanas trabajaban en "Circo del Sol" y, de esta forma, se impregnó de la cultura francesa que ha partir de entonces estuvo presente en su trayectoria vital y profesional. Esto la llevó hasta Marsella que fue su lugar de residencia durante unos cuantos años. Falleció en Montreal el 1 de enero de 2010.

Su discografía se compone de tres discos: "La Llorona", en donde se centra en la música y el folclore mexicano, publicado en 1997; "The Living Road", interpretando canciones en las tres lenguas y culturas en las que desarrolló su vida, la mexicana, la estadounidense y la francesa, publicado en 2003 y grabado en Marsella; y el que tituló con su nombre propio, "Lhasa", cantado integramente en inglés y publicado en 2009.

Como modesto homenaje, y en su memoria, va esta entrada y el vídeo que enlazo a continuación con algunas de sus fotografias y el soporte musical de una de sus canciones, "Abro la ventana", incluida en su segundo trabajo discografico.

Aunque Lhasa de Sela haya partido prematuramente en un viaje sin retorno, su voz y sus canciones se han quedado con nosotros y siempre nos acompañarán.

De vez en cuando, Bambino

2009-11-23T00:35:00.018+01:00

Esta es una entrada -por decirlo de alguna manera- urgente. Como explicarlo. Llegas a casa despues de un fin de semana ajetreado, estas cansado, no tienes ganas de nada, te tumbas un rato, no tienes sueño, te levantas y enchufas el ordenador, tendría que hacer cosas, dedicarle un rato pero no tengo anímos, mañana sera otro día, lo apago y me tumbo un rato en la tele hasta que me entre el sueño... espera, miremos el correo... y entre los e'mail recibidos, una notificación del canal "utreraflash", anunciando un nuevo video de Bambino... curiosidad... esta misma tarde, en una reunión de amigos, como por casulidad, ha salido el nombre del utrerano... "Cantiñas de Utrera", tema con el que se abre el disco que grabó Bambino en el año 1971 con música del maestro Juan Solano y letras de Rafael de León. Ocurrió después de romper con su gran valedor, compositor y productor hasta el año 1970, Carlos Alfonso Santisteban. Fue un cambio de dirección artística. Según cuenta Bambino, se conocieron en uno de los tablaos madrileños en los que actuaba asiduamente, ya con algo de nombre en la capital, el de Utrera, y el compositor le dijo que, aunque no le gustaba el flamenco, tenía la formula y las canciones para conseguir el éxito. La cosa funcionó, el uno como compositor y productor, y el otro como cantante, triunfaron rotundamente. Más de un lustro duró la colaboración de ambos y el resultado fue la consagración de un cantante y, lo que es mucho más importante, la creación de un estilo que ha trascendido a los propios creadores. A mi, dicho de paso, es la época que más me gusta del artista de Utrera. Pero en 1970 surgieron desabenecias y se separaron. Bambino se creció, el quería grabar un disco compuesto y producido artisticamente por dos de los grandes compositores de la copla que todavía seguián con vida: el maestro Juan Solano y el gran poeta y letrista Rafael De León. Fue un empeño de Miguel, y quizás parte del problema de la ruptura, porque el quería grabar con orquesta y, como tenía crédito en la discografica por los éxitos cosechados hasta el momento, escogió a los dos grandes compositores de copla que todavía vivían. Bambino trabajo duro y pasó la prueba con buena nota, además de quitarles la razón a los que, por su manera de cantar y de interpretar las canciones, pensaban que nunca lo podría conseguir. El disco publicado por Columbia en el año 1971 se abría precisamente este título, "Cantiñas de Utrera", una farruca-rumba dedicada a la Virgen de su pueblo la "Consolación de Utrera" de los autores mencionados. Me ha picado la curiosidad y he visionado el video, de perfecta calidad, Bambino en su mejor forma y en su época de mayor explerdor, cuando era el rey de los tablaos de Madrid y de las discotecas de toda España. Bambino en estado puro, para verlo. Según dice su managers de entonces, "durante 10 años fue una máquina de ganar dinero", pero de la misma forma que entraba ese dinero salía, porque la vida de Bambino -como se titula el libro que cuenta algo de su historia- fue "La Fiesta Infinita"... Por eso es esta una entrada urgente, con vida propia, porque se ha interpuesto en mi decisión y ha sido capaz de llevarme, sin remisión, al teclado del ordenador para enlazar el video subido por "utreraflash" y colaborar en su difusión entre los "bambionadictos" de la red, porque... de vez en cuando, Bambino.

Nota: El vídeo objeto de esta entrada ha sido suprimido de la Red por lo que, en su lugar, subimos este en el que Bambino canta, en un programa de TVE, "Reirse". Al final del mismo podemos ver a Laura Valenzuela y Joaquín Prat hablando con el genial artista utrerano.

HA MUERTO MERCEDES SOSA

2009-10-04T12:17:00.016+02:00

Una de las mejores voces que ha dado la música argentina se ha callado para siempre. A los 74 años, se ha muerto Mercedes Sosa. Una mujer comprometida con su tierra y con su canto que durante 60 años ha estado sobre los escenarios proclamando con su voz rotunda y sus canciones su apuesta por la vida y la justicia. Pero su repertorio no se limitó solamente al folclore de su país, pues supo incluir canciones de distintos paises y diversos autores, de poetas y escritores, poniendo en su voz el mensaje de sus textos. En España, desde que se presentó a mediados de la década de los setenta, cuando la música folclorica del cono sur americano irrumpió con fuerza en la Europa occidental, consiguió una buena legión de admiradores cautivados por la claridad y calidad de su voz y, sobre todo, por la belleza de sus interpretaciones. Se ha muerto Mercedes Sosa y su voz se ha callado para siempre. Qué mejor que recordarla viva y haciendo lo que mejor sabía: cantar.

Lo quiero hacer enlazando dos maravillosas canciones que, en su voz, alcanzaron el grado de magistrales. Por un lado "Alfonsina y el mar", que en su día ocupó una extensa entrada en este blog, a la que se puede acceder picando sobre el título de la canción. Y por otro, "Gracias a la vida", una gran canción de la folclorista chilena Violeta Parra que en la interpretación de Mercedes Sosa alcanzó su mayor grandeza y popularidad.

EN RECUERDO DE BAMBINO

2009-05-05T12:51:00.015+02:00

Tal día como hoy pero de hace 10 años, en Utrera, murió Miguel Vargas Jiménez, Bambino. Pocos días antes del fatal desenlace, el 30 de abril, sus amigos organizaron un homenaje en el “Teatro Enrique de la Cuadra”, del que se vendieron todas las entradas al poco de ser puestas a la venta. Sería la última aparición pública de Bambino. Cinco días después, el 5 de mayo, a las cinco de la tarde, expiró.

En esta breve entrada escrita en su memoria, mientras escucho las canciones de su último disco, “Resucité”, grabado en Sevilla en el año 1966, con un Bambino ya mermado de facultades, pero con la experiencia de la vida acumulada en su manera de interpretar las canciones, recuerdo las palabras que pronunció su compadre Camarón de la Isla, al que ayudó ha abrirse paso en Madrid, cuando le preguntaron por el cantante utrerano: “Un artista de artistas”. Pero que sea el propio Bambino el que, en respuesta a una pregunta de Consuelo Berlanga en el programa “¿Qué pasó con?”, de Canal Sur Televisión, en 1996, nos cuente este episodio en el que deja constancia de su calidad como persona: “Yo lo vi en La Línea un día que fuimos a actuar allí, y él me dijo que sí, que quería ser artista, y yo me lo llevé a Madrid, pero él antes había estado con Miguel de los Reyes también, pero no de figura, sino cantando al grupo, al ballet, pero yo después lo coloqué en Madrid muy bien con Dolores Vargas, en un espectáculo, y después en Madrid, en vez de estar con él como artista de cuadro, procuré que entrara de figura, cantando él solo. Pero eso no quiere decir nada de que yo a Camarón lo ayudara. No ayudé a Camarón, Camarón se ayudó él solo porque era un monstruo como artista”.

Para completar este pequeño homenaje en recuerdo del décimo aniversario del fallecimiento de Bambino, enlazo un vídeo colgado en el Canal de Bambinoide, en YouTube que, junto a algunas de las imágenes de su mejor época, recoge algunos de los momentos del festival con el que se le homenajeó, como la llega en limusina al Teatro, su presencia emocionada en el acto, o algunos momentos del entierro. La música que da soporte a las imágenes, muy acertadamente, es uno de los temas de su último disco, “Tengo la experiencia”, original de José Antonio Ramírez Brenes, que parece como si fuera un retrato de la forma de ser del artista utrerano y un resumen de su intensa vida.

Si se han quedado con las ganas y quieren seguir escuchando al genial artista utrerano pueden hacerlo enlazando con otras dos entradas que estan alojadas en este mismo Blog:
-Bambino - Se me va
-Bambino - El reloj

En YouTube, para los fans de Bambino, es imprescidible visitar el Canal Utreraflash, en donde están alojados la mayoría de los vídeos que del artista de Utrera existen.

La página Web dedicada a mantener vivo el recuerdo de Bambino es RinconBambino.com, en donde se puede leer su biografía, recortes de prensa y artículos relacionados con su vida y obra, ver fotografías de sus actuaciones y las portadas de sus discos, escuchar su música y entrevistas, o ver vídeos de sus actuaciones... Imprescindible para los bambinoadictos.

EN MEMORIA DE MIGUEL DE MOLINA

2009-05-01T03:10:00.011+02:00

Miguel de Molina terminó la temporada de 1942 en Madrid, el día 23 de octubre, interpretando una de sus creaciones más populares, las “Sevillanas del Espartero”, en las que salía al escenario vestido de torero de guardarropía, pues era un gran aficionado a la fiesta de los toros. A la salida del teatro fue victima de un complot en el que fue secuestrado y llevado a un paraje situado a las afueras de Madrid llamado “Los Altos del Hipódromo”, que se encontraba en mitad de lo que actualmente es el Paseo de la Castellana, en donde recibió una brutal paliza por parte de una gente que, según cuenta en su libro “Botín de guerra”, el reconoció como falangistas que le conminaron a marcharse del país y, según cuenta en sus memorias, le dijeron: “En esta España no caben maricones como tú”.

A los pocos días de ese desagradable suceso se autoexiliaba con la intención de no volver jamás a su querida España, cosa que, salvo una pequeña estancia para realizar unas actuaciones en 1957, cumplió a rajatabla y, según confesó en los últimos años de su vida, ni aún después de muerto quería que lo trajesen. Él, que había sido un hombre libre y que nunca había ocultado su homosexualidad, que había aflorado en sus primeros años de adolescencia, y que presumía y hacía gala de ello, se marchó amargado por el trato recibido, asfixiado por el nuevo régimen, y asqueado por la doble moral de lo vencedores. Él, que había sido una de las primeras figuras del escalafón coplero a partir de la mitad de la década de los treinta, y que seguía teniendo un gran cartel incluso después de la derrota de la República, como demuestra el listado de actuaciones durante los años 41 y 42, empezó a verse marginado por los empresarios y obligado a aceptar cachet ridículos para su categoría y la fama de la que disfrutaba entre el pueblo llano.

Se instaló en Argentina y allí rehizo su vida privada y artística. Al poco de llegar a su segunda patria debutó en el "Teatro Cómico" de Buenos Aires, propiedad de la actriz Lola Membrives, el 14 de noviembre de ese mismo año, y lo hizo con la misma canción con que había puesto fin a sus actuaciones en España, las “Sevillanas del Espartero”, ante un decorado que representaba una plaza de toros. Siguió actuando hasta 1960, año en el que se retiró cuando contaba 52 años de edad y nunca más volvió a subirse a un escenario. Miguel Frías de Molina, que era su nombre de pila, había nacido en Málaga un 10 de abril de 1908. Murió en Buenos Aires un 5 de marzo de 1993 y esta enterrado en el cementerio de la “Chacarita”.

Como pequeño homenaje, y en su memoria, en el 101 aniversario de su nacimiento, va el sexto programa de “Latinos” que se puede escuchar en la columna derecha de este Blog, o descargar en Mp3 accediendo a la página en la que esta alojado, en donde se recogen once canciones de las más representativas de su repertorio y otra dedicada a él, “Dormido entre rosas”, compuesta e interpretada por el tristemente desaparecido cantante granadino Carlos Cano, con la que se cierra el citado programa. Como complemento de la anécdota que relato en esta entrada, referida a la última canción que interpretó en España, y con la que debutó en Argentina, las “Sevillanas del Espartero”, original de Valverde, León y Quiroga, enlazo un montaje fotográfico en el que la música que da soporte a las imágenes es la referida creación del inimitable Miguel de Molina, uno de los más grandes intérpretes de la canción española.

COPLA ESPAÑOLA

2009-02-28T11:35:00.006+01:00

En este viaje por la "copla" y sus intérpretes, que es el objeto de la cuarta entrega de “Latino’s Podcast”, se puede escuchar a lo más granado del escalafón coplero cantando alguno de sus grandes éxitos. Una docena de cantantes poniendo su voz en otras tantas canciones que no pueden faltar en ninguna selección de canción española.

“Copla” es el nombre con el que se conoce popularmente a la canción española, un género que se remonta a principios del siglo XVIII con el nacimiento de la tonadilla, cantar popular de aire picaresco que se popularizo en esa centuria y que, a raíz de su fusión con el folklore de los distintos pueblos de España, fue cristalizando en este género que podemos considerar como la mejor muestra de nuestra canción popular. Este lento proceso de fusión fue cuajando a lo largo del tiempo y ya, en la década de los años veinte, se puede hablar de un género musical definido y con personalidad propia. Pero fue en la década de los treinta cuando, gracias al cine y a las nuevas formas de reproducción sonora, se consolidó y llegaron los primeros triunfos.

En esa década, además de Estrellita Castro e Imperio Argentina, estrellas del cine y de la canción, destacaron dos personajes que mantuvieron una gran rivalidad en los escenarios y, dicen, fuera de ellos, eran Concha Piquer y Miguel de Molina. La primera llegó a ser considera la interprete más importante del género, se llego a decir que “la Piquer es la Copla”, y hasta finales de los cincuenta -en que se retiro repentinamente tras comprobar que estaba perdiendo cualidades y su orgullo no le permitía verse en segunda fila- se mantuvo en lo más alto. Miguel de Molina, después de la guerra, tuvo que emigrar a Hispanoamérica y desarrolló su carrera entre México y Argentina. En este país, que fue su segunda patria y, tras volver a España en los años cincuenta y ver que su estrella se había apagado, se instaló para siempre el gran cantante malagueño y allí murió, en Buenos Aires, en 1993.

Durante la cuarta y quinta década del pasado siglo vivió la “copla” su época de oro. Juanita Reina irrumpe con una fuerza extraordinaria al comienzo de los años cuarenta, arropada por su aparición en la película “La Lola se va a los Puertos” en donde interpreta sus primeros éxitos, enseguida se sitúa entre las más grandes. Lola Flores, también con el apoyo del cine, y su temperamento dentro y fuera de los escenarios, se coloca entre las preferidas del público. Juanito Valderrama, poco a poco, también va consolidada su carrera, aunque sus años más brillantes podemos situarlos en la década siguiente, en donde se encuentra con dos grandes cantantes que establecieron una gran rivalidad en los escenarios y en el cine: Rafael Farina y Antonio Molina.

Por esos años también triunfaron Pepe Blanco, un riojano afincado en Madrid y que, antes de dedicarse a la canción, ejercía de taxista, y la catalana Carmen Morell, que formaron pareja de éxito durante varias temporadas. A mediados de los cincuenta aparece en escena la última de las grandes voces de la “copla”, Marifé de Triana, pero tuvo la mala suerte de que cuando estaba en sazón, y nos ofreció sus mejores interpretaciones, el gusto de los españoles, sobre todo el de los jóvenes, estaba dirigiéndose hacia otros estilos que venían del extranjero y que traían de la mano nuevas formas de vida.

La “copla” se vio afectada por estos cambios y, poco a poco, pasaría a ocupar un segundo plano en los gustos musicales de los españoles. A partir de entonces se intentaron modernizar sus bases musicales, e instrumentales, para adaptarlas a los nuevos ritmos, y a los nuevos tiempos, y es curioso escuchar algunos de los intentos que han quedado grabados. Pero esa es otra historia de la que, si se tercia, en otra ocasión, podremos escribir y escuchar algo. Ahora es cosa de poner el punto final a esta entrada y de esto se debe ocupar el cantautor “granaino” Carlos Cano, uno de los últimos compositores que ha conseguido colocar varias de sus creaciones en primer plano y que, en su momento, significó un soplo de aire fresco para este género.

MÚSICA DE CUBA Y MÉXICO

2009-02-14T02:17:00.005+01:00

Dos nuevas entregas de “Latino's Podcast”, una dedicada íntegramente a la orquesta cubana “La Sonora Matancera”, y otra a la música mexicana, recogiendo un puñado canciones interpretadas por algunas de las grandes voces que ha dado el país azteca.

“La Sonora Matancera” se formó en la ciudad que le da nombre, Matanzas, en 1923. En sus 83 años de historia fueron más de mil las canciones que grabaron y 46 los cantantes que aportaron su voz a esta formación musical cubana. En este segundo programa de “Latino's”, que comienza y acaba con dos temas de caracter instrumental, son diez los cantantes que podemos escuchar y nos ofrecen una pequeña muestra del repertorio de una de las orquestas legendarias de Cuba.

El recorrido musical por México que se presenta en el tercer programa de “Latino's”, nos trae algunas de las voces más importantes que nos ha dejado la música popular mexicana en el pasado siglo XX y unas cuantas grandes canciones que han quedado grabadas en el subconsciente sonoro de la gente de los países hispano-americanos. Rancheras, corridos, boleros, huapangos y demás ritmos que nos muestran la extraordinaria riqueza de la música popular mexicana.

Nota: Se pueden escuchar ambos programas en el reproductor situado en la columna de la derecha. También es posible suscribirse al servicio Podcast, para recibirlo en el reproductor de su ordenador; o descargarse los programas, en formato Mp3, accediendo a la página en la que están alojados mediante el enlace situado debajo del reproductor.

LATINO'S PODCAST

2009-01-23T03:14:00.010+01:00

Presentamos un nuevo espacio para escuchar música. Un programa que bajo titulo de "Latino's Podcast" pretende recoger algo de la música de raíz latina que se ha ido haciendo, a lo largo del tiempo, a uno y otro lado del Océano Atlántico.

El constante viaje de ida y vuelta entre una y otra orilla nos ha ido dejando un rico repertorio de canciones, estilos y ritmos que forman parte de nuestra vida y de nuestra memoria. Aunque sonaran temas actuales, el objetivo principal es rescatar las viejas canciones y a sus intérpretes, muchos de los cuales ya están muertos, otros olvidados o, simplemente, pasados de moda, pero que han ido dejando una huella que es imposible de olvidar y es preciso recordar.

El área de influencia de de la música latina abarca un extenso espacio geográfico que se distribuye a ambos lados del Océano, países de Europa, como España, Portugal, Italia o Francia; o de Hispanoamérica, como Cuba, Puerto Rico, México, Colombia, Argentina, Brasil, Perú, Chile y el resto de los que se sitúan al sur del río Grande o en las islas del Caribe. Música de estos países, en su mayoría de habla hispana, en las voces de los más destacados cantantes, sonaran en los sucesivos programas: copla, pasodobles, fados, tangos, rancheras, corridos, boleros, pasillos, son cubano, guarachas, rumbas, milongas, chacareras.... Todos los estilos que conforman un folklore de gran riqueza y que, en su momento, tendrán cabida en la programación de este espacio.

Para escuchar el primer programa, que es un viaje sonoro de reconocimiento por unos cuantos países y estilos de los anteriormente mencionados, pueden hacerlo en el reproductor situado en la columna derecha de este Blog, o bien accediendo a la página en donde se alojan: http://latinos.podomatic.com/, en la cual también pueden suscribirse al servicio Podcast, o descargar los archivos en formato Mp3.

EL CAMINO DE LA VIDA - Héctor Ochoa

2008-12-24T00:36:00.014+01:00

Esta canción, del compositor colombiano Héctor Ochoa Cárdenas, fue elegida en 1991, por votación popular, como la más bella canción colombiana del siglo XX. De haber estado en Colombia en el momento de la elección, sin ninguna duda, mi voto se hubiera sumado a su favor, porque desde la primera vez que la escuché se me pegó y pasó a formar parte de mi lista de canciones favoritas. La sencillez, contundencia y belleza de la letra aún consiguen emocionarme cada vez que la escucho. Los recuerdos de las distintas etapas de mi vida van reviviendo en mi memoria a medida que avanza la canción y, conforme va pasando el tiempo, mi situación se identifica con pasajes más avanzados de la letra. Pero para que una canción sea completa, redonda, es preciso que la música este a la altura de las circunstancias y eso es lo que ocurre con esta composición. Al ritmo ternario del pasillo colombiano, de clara influencia hispana, se desplega una melodía justa, precisa y pegadiza que se adapta perfectamente al mensaje y la intención de cada frase y que, por encima de todo, es una melodía bonita.

Héctor Ochoa nacio un día de San Juan, en Medellín, en el año 1934. Su afición a la música le llega por parte paterna pues su progenitor era compositor, director de banda y profesor de música. En sus tiempos de estudiante de bachillerato formó "El Trio de Oro", con el que obtuvo cierta repercusión en las emisoras locales, pero a la muerte de su padre tuvo que dejar los estudios y dedicarse a trabajar. Durante veinticinco años estuvo en una entidad bancaria en la que llegó a ocupar puestos directivos. Pero una canción, esta que nos ocupa, y de la que se han hecho más de 50 versiones, cambio el rumbo de su vida y consolidó su obra musical.

"El camino de la vida" superó el galardón conseguido en el año 1991 al ser la elegida, en 1999, y también por votación popular, como la "Canción del siglo XX en Colombia". Para acumular más información sobre el autor pueden visitar la página Web de Héctor Ochoa Cárdenas. El vídeo enlazado ofrece una excelente interpretación, en directo, de esta maravillosa canción en las voces y las guitarras de Marco Urdiales y el Trio Los Antares. Qué mejor, en estas fechas navideñas, que recordar esta canción que no es otra cosa que una canción de amor.

EL CAMINO DE LA VIDA
(Héctor Ochoa Cárdenas)

De prisa como el viento van pasando
los días y las noches de la infancia,
un ángel nos depara sus cuidados
mientras sus manos tejen las distancias.

Después llegan los años juveniles,
los juegos, los amigos, el colegio,
el alma ya define sus perfiles
y empieza el corazón de pronto a cultivar un sueño.

Y brotan como manantial las mieles del primer amor,
el alma ya quiere volar y vuela tras una ilusión,
y aprendemos que el dolor y la alegría
son la esencia permanente de la vida.

Y luego cuando somos dos en busca de un mismo ideal,
formamos un nido de amor, refugio que se llama hogar,
y empezamos otra etapa del camino,
un hombre, una mujer, unidos por la fe y la esperanza.

Los frutos de la unión que Dios bendijo
alegran el hogar con su presencia,
a quién se quiere más si no a los hijos,
son la prolongación de la existencia.

Después cuántos afanes y desvelos
para que no les falte nunca nada,
para que cuando crezcan lleguen lejos
y puedan alcanzar esa felicidad tan anhelada.

Y luego cuando ellos se van, algunos sin decir adiós,
el frío de la soledad golpea nuestro corazón.
Es por eso amor mío que te pido
por una y otra vez, si llego a la vejez, que estés conmigo.

Rumba Dragona EN CLAVE DE FOLK

2008-12-06T09:40:00.008+01:00

EN CLAVE DE FOLK es el proyecto de un grupo de músicos aragoneses que se dedican a darle una vuelta de tuerca más al folklore aragonés. Eso es lo que ocurre con esta versión de "Rumba Dragona", un tema compuesto por Pepín Banzo Salvo, y dedicado a los "Danzantes de Zuera", que fue creado para dulzaina. El arreglo con el que se trata esta versión se aleja de los parámetros habituales de la música folklorica, tanto en su instrumentación como en su interpretación, y se acerca hacia ambientes más cálidos y bailables. La melodía y armonía originales posibilitaban su acercamiento hacia la rumba cubana y, a partir de ahí, se abren nuevos espacios para reinterpretar el tema de una forma absolutamente distinta. Creando una base ritmica y armónica adecuada el tema toma otra dimención, se abren espacios para la improvisación y los solistas, todos los músicos de la banda, puedan explayarse a gusto en su turno.

No decimos más, pasen, escuchen y vean al grupo EN CLAVE DE FOLK, interpretando esta "Rumba Dragona", en directo. Esta grabación fue realizada durante la actuación que tuvo lugar, en el "Centro Cultural" de Almudevar, Huesca, el pasado 29 de noviembre de 2008.

LAS ACACIAS

2008-05-31T03:07:00.024+02:00

Esta canción, “Las acacias”, me atrapó desde su primera audición. Me ocurrió con ella esas cosas que pasan, a veces, con algunas canciones, no sabes si es por el timbre de la voz, o por un giro melódico determinado, o por una frase concreta de la letra, o por la forma de cantarla el intérprete… lo cierto es que, no sabes cómo pero, se te fijan en el cerebro a las primeras de cambio y ya la tienes registrada, para siempre, en el cancionero de tu vida. Son un puñado, diez, quince, veinte canciones que, más que llegar tu a ellas, llegan ellas a ti; más que incorporarlas, por gusto, conscientemente, a tu memoria musical, se instalan por su cuenta entre tus neuronas, instintivamente, y disfrutan de un espacio privilegiado en la banda sonora de tu vida.

Fue curioso como llegó el disco LP que la contenía a mis manos. Lo recuerdo como si lo estuviera viendo. Era un día de verano, pongamos que del año ochenta o aledaños. Aprovechando la ausencia vacacional de la madre de un amigo, Alejandro, nos reuníamos en su casa a pasar el rato, a merendar, a jugar a cualquier cosa o, cosa habitual en aquellos tiempos, a escuchar música. En esto estábamos, escuchando unos discos de jazz que solo teníamos ocasión de escuchar en aquella casa. Revolviendo el montón de discos que había encima de una mesa, apilados en la pared, uno, el último del montón, fue a parar al suelo. Lo cogí y al ver de quién era -“Canta María Dolores Pradera”-, Alejandro me dijo que era de su madre, que lo odiaba y que, si quería, lo podía tirar por la ventana. Le propuse que me lo dejara para escucharlo en casa, a lo que me contesto que me lo llevara para siempre.

María Dolores Pradera era una cantante que me gustaba, tenía una cinta con sus canciones más populares, incluso, a comienzos de los años setenta, pude asistir, en compañía de mi hermana Milagros, a un concierto que dio en el Teatro Principal de Zaragoza. Creo recordar que la formación que la acompañaba estaba compuesta por "Los Gemelos", Santiago y Julián,a las guitarras y las voces, Pepe Evora, a los bongos, que aparecen en la foto contigua, y Miguel Palacios, al contrabajo. Con el disco de la madre de Alejandro bajo el brazo llegué a casa, empecé a escucharlo y, cuando llegó el cuarto corte de la cara A, me pasó lo que cuento en el primer párrafo de esta entrada. Allí, escondida entre los microsurcos del LP estaban “Las acacias”, una canción que, desde ese momento, nunca me abandonaría.

Pero, por no alargar demasiado este artículo, no vamos a hablar de María Dolores Pradera en esta ocasión, otras habrá en que lo hagamos porque razones y canciones no faltarán. Prefiero dedicar este espacio para hablar de los autores, más desconocidos y mucho más alejados en el tiempo. También resulta curioso observar el proceso de gestación de este tema, como la universalidad de la música consigue que, un poema español se complemente perfectamente con un estilo de música popular colombiana, para crear tan magnifica canción. El constante viaje de ida y vuelta entre un continente y otro llevaba en sus bodegas, junto a las mercancías que se iban intercambiando, las influencias culturales que, al mezclarse, han ido creando nuevas formas que han enriquecido a las dos orillas y de este intercambio se ha beneficiado, de forma muy especial, la música.

Vicente Medina Tomás, autor de la letra, nació en Archena, Murcia, España, el 27 de octubre de 1866. Su padre, además de jornalero, era conocido como “Juan de Dios el de los romances”, pues era gran conocedor de estos e incluso los recitaba por los pueblos del entorno. Este contacto con las historias del romancero y la lectura de los poetas del romanticismo debieron de ser poderosas influencias que lo llevaron hacia la poesía. Ingresó en el ejército y durante su estancia en Filipinas escribió sus primeros versos. A su vuelta colaboró con diversas publicaciones de Cartagena, se casó y publicó su primer libro, “Aires murcianos”, en 1900. Fue su obra cumbre, es un canto al sufrimiento de las gentes de la huerta del Segura. Ha sido considerado como uno de los escritores más importantes, sino el que más, de la región murciana y a quien se debe parte de su identidad regional. En 1908 emigró a Argentina en donde se convirtió en propietario agrícola. Después de 25 años, poco antes de la proclamación de la II República, regresó a su pueblo, pero en 1936, y debido a que había sido ardiente defensor del Frente Popular, volvió a la que consideraba su segunda patria, Argentina, en donde murió, en Rosario, el 17 de agosto de 1937.

Jorge Molina Cano nació en Medellín en 1898. Era sobrino de don Fidel Cano, fundador del diario “El Espectador” de Bogotá, pues su madre, María Cano, era hermana de aquel ilustre periodista. Por el lado paterno era medio hermano del importante empresario antioqueño don Carlos I. Molina, taurófilo a quien se debe la iniciativa y liderazgo de la construcción de la Plaza de Toros “La Macarena”, de Medellín, pues su padre, Rufino Molina, al enviudar poco tiempo después de nacido Jorge, contrajo segundas nupcias con María Cárdenas, matrimonio del cual nació “Don Carlos I”. Fue profesor de la escuela Normal Antioqueña, profesión que abandonó para irse, en larga gira de bohemia, por los países centroamericanos con su tiple, instrumento del que era un virtuoso ejecutante, y con su amigo Iván de Greiff, con quien solía cantar a dúo. Cuando regresó a Colombia, en el año de 1920, ya estaba completamente preso del alcoholismo y atrapado en la vida nocturna de bohemia cantinera. Totalmente atrapado por el vicio decide radicarse en Barrancabermeja, en busca de un ambiente alejado de la bohemia capitalina que le permitiera regenerarse, pero ya era tarde. Murió, en un cuartucho de dicha ciudad, en estado de lamentable y total pobreza, a la temprana edad de 29 años, el 13 de noviembre de 1927.

LAS ACACIAS
-Pasillo-
Letra: Vicente Medina Tomás
Música: Jorge Molina Cano

Ya no vive nadie en ella

y a la orilla del camino silenciosa está la casa,
se diría que sus puertas se cerraron para siempre,
se cerraron para siempre sus ventanas.

Gime el viento en los aleros,
desmorónanse las tapias,
y en sus puertas cabecean
combatidas por el viento las acacias.

Dolorido,
fatigado de este viaje de la vida,
he pasado por las puertas de mi estancia
y una historia me contaron las acacias.

Todo ha muerto,
la alegría y el bullicio,
los que fueron la alegría y el calor de aquella casa,
unos muertos y otros vivos que tenían muerta el alma,
se marcharon para siempre de la casa.

Nota: De las dos versiones, la primera, la de María Dolores Pradera, es la que conocí hace años y es mi preferida. Fue grabada y publicada en LP, con la portada que aparece más arriba, en 1970. La segunda, la de Raphael, la acabo de conocer recientemente, no sabía que hubiere grabado esta canción, pero apareció en un disco de 1975 que llevaba el título de "Recital Hispanoamericano" y en el que estaba acompañado por "Los Gemelos". El vídeo es una actuación en televisión en el año 1979.

DE UN MUNDO RARO - José Alfredo Jiménez

2008-04-30T19:24:00.018+02:00

"De un mundo raro" es una maravillosa canción de desamor compuesta en 1954 por el gran compositor y cantante mexicano José Alfredo Jiménez. De esta canción, como de tantas otras del mismo autor, se han hecho cientos de versiones tanto en su tierra natal México, como en el resto de países de habla hispana.

José Alfredo Jiménez Sandoval nació en Dolores Hidalgo, en el estado mexicano de Guanajuato, en 1926, en donde pasó los primeros años de su vida. A la muerte de su padre, farmacéutico de profesión, emigró en compañía de su familia a la Ciudad de México. Desde niño tuvo que contribuir a la economía familiar desempeñando numerosos oficios, incluso llegó a ser portero de fútbol en un par de equipos de la primera división mexicana.

Siendo todavía adolescente empezó a componer sus primeras canciones, aunque su oportunidad le llegó en 1948, año en el que un par de intervenciones en la emisora radiofónica XEW-AM lo catapultaron a la fama. No tenía educación musical, pero sus canciones y la repercusión que tuvieron, así con la interpretación de las mismas por los más destacados cantantes del momento -Jorge Negrete, Pedro Infante, Chavela Vargas, Javier Solís, Vicente Fernández, Lola Beltrán, Miguel Aceves Mejías o Pedro Vargas- lo convirtieron en el compositor de canción ranchera más importante e influyente de todos los tiempos.

DE UN MUNDO RARO
(José Alfredo Jiménez)

Cuando te hablen de amor y de ilusiones
y te ofrezcan un sol y un cielo entero
si te acuerdas de mi no me menciones
porque vas a sentir amor del bueno.

Y si quieren saber de tu pasado
es preciso decir una mentira
di que vienes de allá de un mundo raro
que no sabes llorar
que no entiendes de amor
y que nunca has amado.

Porque yo adonde voy
hablaré de tu amor
como un sueño dorado,
y olvidando el rencor
no diré que tu adiós
me volvió desgraciado.

Y si quieren saber de mi pasado
es preciso decir otra mentira,
les diré que llegué de un mundo raro,
que no se del dolor,
que triunfe en el amor
y que nunca he llorado.

A continuación les presento tres versiones, en tres vídeos, de esta canción maravillosa; la primera de su autor, el genial compositor mexicano José Alfredo Jiménez; la segunda de Lola Flores, de la película "La Faraona", rodada en México a mediados de la década de los cincuenta; y la tercera de Chavela Vargas, en un recital ofrecido en Madrid al final de la década de los noventa.

José Alfredo Jiménez

Lola Flores

Chavela Vargas

Uncastillo

2008-03-31T00:21:00.017+02:00

Uncastillo es una de las “Cinco Villas” que dan nombre ha esta comarca zaragozana. En la actualidad, no llegan al millar los habitantes que residen en esta villa. Desde comienzos del siglo pasado, en poco más de cien años, ha perdido dos terceras partes de su población. Al debilitarse su importancia como centro de comercio con los pueblos colindantes -por motivos como la emigración hacia las ciudades y el mejoramiento de las vías de comunicación- perdió su penúltima batalla. Porque muchas han sido las batallas que se han jugado en estas tierras, ya que la grandeza de Uncastillo se remonta a épocas muy anteriores, a cuando hace más de mil años fue concebida como una plaza militar, y se convirtió, durante varios siglos, en uno de los bastiones más importantes de la frontera del Reino de Aragón.

Pero la historia de Uncastillo esta escrita en sus piedras; tatuada en sus casas, palacios e iglesias; impregnada en sus plazas y callejuelas; marcada en lo poco que queda de su castillo inexpugnable durante tantas guerras. Dejarse llevar sin rumbo por sus calles te va sumergiendo poco a poco en un pasado remoto, en tiempos en donde la vida se vivía de otra forma y el futuro se abría paso a martillazos. Martillazos que iban convirtiendo a esta villa en una de las más representativas del Románico aragonés, como nos cuentan las piedras de sus edificios.

Pero, a su vez, este viaje hacía el futuro llevaba implícito el germen del abandono, pues en la medida que el Reino se fue consolidando y la frontera avanzando hacia el sur, la importancia de esta villa fue decreciendo en la misma proporción en que se iba alejando la línea fronteriza. Las fértiles tierras del Valle del Ebro estaban a la vista y cerca, muy cerca, la joya de la corona, Zaragoza.

Como en tantas ciudades, como en tantas villas y enclaves históricos, los momentos de mayor esplendor han significado el comienzo de su decadencia. Es el ciclo de la vida. Uncastillo no podía quedar al margen de esta ley natural. Al menos quedan sus piedras. Que se conviertan en trinchera para poder ganar la última contienda, la batalla de la memoria.

La música que acompaña el vídeo proviene de otro enclave de la reconquista aragonesa, Graus, en la provincia de Huesca. Se trata de la "Danza de las Cintas", también conocida como "La Zaida". Esta danza forma parte del "Dance de Graus" y sirve de acompañamiento al tradicional "Baile de las Cintas". La versión que presentamos esta interpretada por "En Clave de Folk", grupo de música aragonesa que introduce en sus arreglos una concepción musical y una instrumentación moderna, con el objetivo de acercar las melodías tradicionales de nuestro folklore hacia sonoridades distintas.

Mercedes Sosa - Alfonsina y el mar

2008-02-27T02:33:00.015+01:00

Hay canciones que cobran vida y se identifican con una voz, este es el caso de Mercedes Sosa y “Alfonsina y el mar”. Seguramente será una de las canciones más versionadas del folklore argentino, tanto por músicos del propio país como del extranjero, seria una lista demasiado larga si me propusiera nombrar los innumerables artistas que lo han hecho, no voy ha hacerlo, tan sólo decir que ninguna de las versiones que he escuchado me llega tanto, me conmueve de la forma que lo hace esta, me transporta hacia un encantamiento acompasado de rumor de olas, me sumerge en un mar de sensaciones íntimas como lo hace la original, la primera, la realizada por la “Negra” Sosa, allá por el año 1969, el mismo año en que fue compuesta esta zamba. Seguramente será por el timbre de su voz, oscuro y cálido, o por su perfecta entonación, o por la cadencia de su pronunciación, o por el conjunto de cualidades que la hacen una voz que me pellizca los sentidos y me conmueve.

Mercedes Sosa nació en San Miguel de Tucumán, el 9 de julio de 1935, de ascendencia mestiza de franceses y quechuas. A los quince años ganó un concurso de una radio local y fue contratada durante dos meses, a partir de ahí comienza su carrera. Su primer disco, “La voz de la zafra”, data del año 1959, pero su lanzamiento artístico se produjo seis años más tarde, en 1965, cuando se publica su segundo trabajo discográfico, “Canciones con fundamento”, a partir de ese momento se convierte en referencia del movimiento de la nueva canción argentina. Su colaboración en 1969 con el compositor y pianista Ariel Ramírez y el doctor Félix Luna, poeta y letrista, nos dejó el primero de los dos discos que grabaron conjuntamente, “Mujeres Argentinas”, en donde aparecía la canción objeto de esta entrada, “Alfonsina y el mar”.

No voy a extenderme en la biografía de Mercedes Sosa, es fácil acceder a ella en la red para el que tenga interés, tan sólo decir que su carrera se prolonga hasta nuestros días y que ha recorrido los escenarios de todo el mundo recogiendo aplausos y todos los premios y condecoraciones que puedan imaginarse, y que su discografía nos reporta más de cuarenta discos de larga duración, el último, “Corazón libre”, que data del año 2005.

Ahora es preciso centrarse en la otra protagonista de esta historia, en Alfonsina, esa mujer argentina que inspiró la poesía del doctor Félix Luna y la música de Ariel Ramírez.

Un sábado, el 22 de octubre de 1938, una mujer de 46 años deambula en Buenos Aires hacia la estación de trenes, saca un billete, sólo de ida, para Mar del Plata. Se instala en una modesta residencial con el borroso designio de suicidarse. Se dice que está enferma, cansada y anhela la muerte como una liberación. Quizás, en un banco desmantelado ocupa largas horas en repasar su vida. Tal vez emplea su tiempo en redactar el poema, "Voy a dormir":

Dientes de flores, cofia de rocío,
manos de hierbas, tú, nodriza fina,
tenme prestas las sábanas terrosas
y el edredón de musgos escardados.

Voy a dormir, nodriza mía, acuéstame.
Ponme una lámpara a la cabecera;
una constelación; la que te guste;
todas son buenas; bájala un poquito.

Déjame sola: oyes romper los brotes...
te acuna un pie celeste desde arriba
y un pájaro te traza unos compases

para que olvides... Gracias. Ah, un encargo:
si él llama nuevamente por teléfono
le dices que no insista, que he salido...

Va al correo y envía el poema al periódico “La Nación”. El lunes permanece la noche en vela con su confusión moral. Es probable que se escucharan gritos de rebeldía y palabras de sumisión. Habla consigo misma. Redacta una carta a su único hijo, Alejandro, de 26 años. A la una de la noche sale, va hacia la playa de “La Perla” y lentamente se internó en el mar. Horas más tarde, dos jóvenes obreros que paseaban por la orilla encontraron su cuerpo. Era Alfonsina Storni, una de las más importantes poetas del siglo.

Alfonsina Storni era géminis, nacida en el año 1892. Dragón de fuego. Dijo alguna vez: «me llamaron Alfonsina, que quiere decir dispuesta a todo». Nació en un cantón de la Suiza italiana. Su familia se estableció en San Juan y más tarde, en 1901, se mudan a Rosario. Cuando Alfonsina tiene diez años, el negocio familiar es el "Café Suizo", donde la niña lava platos y sirve las mesas. Su padre, depresivo y alcohólico, fallece en 1906. Alfonsina, que no para de escribir poemas, trabajó como cocinera y obrera de un taller de gorras. Se dedicó un poco al teatro y terminó por hacerse maestra.

A los 19 años ya escribe, recita, y publica en revistas. Y entonces, el amor. Alfonsina tuvo un romance, en una velada literaria en Santa Fe, y del romance tuvo un hijo, Alejandro, en 1912. Madre soltera y feminista, se traslada a Buenos Aires. En 1920 gana el Primer Premio Municipal de Poesía y el Segundo Premio Nacional de Literatura por “Languidez”. En 1926 se editan “Poemas de amor”. En 1934, publica “Mundo de siete pozos” y en 1938, “Mascarilla y trébol”, su último libro.

Alfonsina Storni, vocera de los derechos civiles de la mujer e impulsora de la Sociedad Argentina de Escritores, es generosa en amistades. Leopoldo Lugones, Amado Nervo, Juana de Ibarbourou, Gabriela Mistral, se encontraban entre sus amistades, con Horacio Quiroga mantuvo una relación más íntima. A Federico García Lorca lo conoció en 1933, cuando este fue a Buenos Aires a dirigir su obra “Bodas de Sangre”.

En el verano del 1935, supo la temible noticia: tenía cáncer de mama. Fue operada, pero el cáncer continuó. Pasó depresiones. Desde entonces llama al mar en sus poemas y habla del abrazo de la mar y de la casa de cristal que la espera allá en el fondo, en la avenida de las madréporas. El suicidio contagia el ambiente. En 1937 Horacio Quiroga también se enferma de cáncer. Una medianoche toma su ración de cianuro. Alfonsina Storni lo despidió con versos conmovedores: "Morir como tú, Horacio / en tus cabales / y así como en tus cuentos / no está mal". Luego Leopoldo Lugones se envenena. Al fin, el mar la pidió a ella. En el lugar donde bajó dispuesta a todo, un lunes por la noche, hay una estatua en su honor, que mira el mar.

Alfonsina y el mar
(Ariel Ramírez - Félix Luna)

Por la blanda arena que lame el mar
su pequeña huella no vuelve más,
un sendero solo de pena y silencio llegó
hasta el agua profunda,
un sendero solo de penas mudas llegó
hasta la espuma.

Sabe dios que angustia te acompaño,
que dolores viejos callo tu voz,
para recostarte arrullada en el canto
de las caracolas marinas,
la canción que canta en el fondo oscuro del mar
la caracola.

Te vas Alfonsina con tu soledad,
que poemas nuevos fuiste a buscar,
una voz antigua de viento y de sal
te requiebra el alma y la esta llevando
y te vas hacia allá como en sueños,
dormida, Alfonsina, vestida de mar.

Cinco sirenitas te llevarán
por caminos de algas y de coral
y fosforescentes caballos marinos harán
una ronda a tu lado,
y los habitantes del agua van a jugar
pronto a tu lado.

Bájame la lámpara un poco más,
déjame que duerma, nodriza, en paz
y si llama él no le digas que estoy
dile que Alfonsina no vuelve,
y si llama el no le digas nunca que estoy,
di que me he ido.

Te vas Alfonsina con tu soledad
que poemas nuevos fuiste a buscar,
una voz antigua de viento y de sal
te requiebra el alma y la esta llevando,
y te vas hacia allá como en sueños,
dormida, Alfonsina, vestida de mar.

Bambino - Se me va

2008-01-31T17:41:00.004+01:00

El próximo 12 de febrero hubiera cumplido 68 años. Me estoy refiriendo a Miguel Vargas Jiménez, Bambino, que nació tal día como ese del año 1940, en Utrera.

Me viene a la memoria su nombre, su voz y su historia, al visionar un vídeo en YouTube, que más abajo queda enlazado, de una actuación en algún canal de televisión, interpretando una de las canciones de su repertorio que mayor repercusión alcanzaron.

En el vídeo se puede contemplar a un Bambino ya mayor, -no se la fecha exacta de la grabación, pero podríamos situarla en la primera mitad de las década de los noventa, antes de grabar su último disco, "Resucite", en la primavera de 1996-. Aún mermado de facultades y con una voz cada vez más rota, sabe sacar, de la experiencia y de su arte, un dramatismo interpretativo más convincente y, de su maltrecha garganta, una voz desgarrada que te atrapa, que fija tu atención y te toca las fibras de la emoción.

“Se me va” es una de canción de Manuel Alejandro que aparece en el último álbum que grabó para la compañía Columbia, “Yo soy yo, Bambino”, en el año 1982. En este disco vuelve a sus orígenes musicales, después de la época en que la producción de sus trabajos había corrido a cargo de José Luís Navarro, que había tratado de acercar su estilo a los gustos e instrumentaciones de aquella época, pero que, en pleno auge de la movida musical que surgió con fuerza en aquellos años, no habían tenido la repercusión deseada.

El disco fue producido por Manuel Sánchez Pernía que, además de su trabajo como productor, firma, como autor, la canción “El Reloj”, mi tema preferido de todos los cantados por el utrerano. Como muestra de mi afirmación, y para facilitar su acceso a los interesados, picando en el título reflejado anteriormente, queda enlazado el vídeo -el primero que hacía-, y la letra -una de mis primeras entradas- que publiqué en su día en este Blog. Las guitarras de Enrique de Melchor y de Paco del Gastor nos devuelven a los sonidos de las primeras grabaciones, a la época en que su principal mentor y descubridor, Carlos Alfonso Santisteban, ejercía las labores de compositor, arreglador y productor de los discos de Bambino. En aquellos años las guitarras que servían de acompañamiento a las canciones -bulerias o rumbas, según cuadrara el ritmo- sonaban en manos de Paco Cepero, Paco de Lucia o Enrique Escudero.

Esa etapa, que duró desde el año 1964 hasta 1969 es, en mi opinión, la mejor, la verdaderamente importante del cantante utrerano, porque estaban creando un estilo, abriendo camino a lo que llegó a denominarse entonces la "canción aflamencada". Con el tiempo esta senda sería seguida por muchos otros artistas. Es curioso, y revelador, el relato del encuentro con el productor, al finalizar una de sus primeras actuaciones en Madrid, que nos relata Bambino. No recordaba ni quien se lo presentó, pero cuenta que se acercó a la mesa en la que estaba con unos amigos y le dijo: “Yo soy compositor, estoy estudiando dirección de orquesta en el Conservatorio de Música de Madrid y acabo de terminar la mili. Me has impresionado con tu actuación y si te parece yo te podría componer la música para tus canciones, ya sabes, música de baladas, porque a mí el flamenco ni me gusta ni me gustará, pero tú puedes encargarte de aflamencar el ritmo, a tu estilo, y estoy seguro de que salen temas comerciales para la mayoría, temas que pueden venderse bien”. Era la oferta que estaba esperando, fueron cinco años fecundos. Pero de esos años, de su ruptura, de sus colaboraciones con el maestro Juan Solano y, el letrista de la copla por excelencia, Rafael de León y de otros asuntos, ya encontraremos el momento de escribir, seguro que se presentará la ocasión.

Estábamos en el año 1982, ocupados con la canción "Se me va", que se incluía en el disco que ese año salió al mercado, “Yo soy yo, Bambino”, para mi gusto, uno de los mejores, si no el mejor, de toda sus carrera. Y hasta ese punto habíamos llegado por los recuerdos que la visión, recientemente, de un vídeo alojado en YouTube me había traído a la memoria su nombre, su voz y su historia. A pesar de los años transcurridos, a pesar de haberse bebido la vida a borbotones, a pesar de la fiesta infinita en que convirtió su existencia, Bambino seguía conservando en su garganta rota, por el tiempo y los abusos, la fuerza, la magia y la emoción de sus mejores años.

Se me va
Manuel Alejandro - Ana Magdalena

Se me va,
este amor que he ido amasando con mis manos,
se me va.
Se me va,
lo que tanto tiempo yo he querido tanto,
se me va.

No hay razón,
que yo pierda en un momento lo que tanto,
me costó.
No hay razón,
que se vaya de mis manos en un soplo,
tanto amor.

Se me va,
como el agua que se escurre entre mis manos,
se me va.
Como el aire que yo no puedo sujetarlo,
como el tiempo que implacable va pasando,
como el humo tu cariño se me va.

Donde irán,
esos días de alegría que pasamos,
donde irán.
Donde irán,
esos miles de caricias que inventamos,
donde irán.

Yo no lo sé,
en la vida nunca hay nada para siempre,
ahora lo sé.
Pero fue,
tan bonito así quererte que ahora,
me cuesta perder. Se me va...

Un paseo por Éfeso

2007-12-30T00:57:00.003+01:00

Un paseo por Éfeso es un viaje al pasado, de golpe, nada más atravesar los tornos de entrada al recinto, retrocedes veinte siglos en la historia. Los restos arqueológicos que perduran son en su mayoría de la época romana, no en vano, en tiempos del emperador Augusto, era la ciudad más importante del Imperio en Asia Menor, en esos años vivió su mayor esplendor. Pero la historia de Éfeso se remonta otros setecientos años atrás pues, dada su privilegiada situación geográfica, era el puente comercial entre Asia y Europa.

A partir de su conquista por Alejandro Magno, en el año 334 a.de J.C., comenzó una época de estabilidad y bienestar que se alargaría, salvo contratiempos puntuales, más de quinientos años. Durante los periodos helenístico y romano la ciudad alcanzó los momentos de mayor esplendor y relevancia histórica. En el año 262 los góticos conquistaron y saquearon la ciudad y a partir de entonces Éfeso nunca volvió a ser la que había sido y, poco a poco, al mismo tiempo que los aluviones del río Caistros iban cegando el puerto marítimo, la ciudad se iba sumiendo en el olvido. En el siglo XIV, ya sin acceso al mar, la ciudad de Éfeso fue totalmente abandonada.

Pero no es cosa de extenderse en la historia ni en el relato de los restos arqueológicos que subsisten en la ciudad, catálogos, libros e informaciones fáciles de conseguir se ocupan de ello. El objetivo de esta entrada no era otro que presentar este paseo por Éfeso, este viaje al pasado, este ejercicio de la imaginación, de la mano de esta colección de fotografías. La música que da soporte sonoro al vídeo es el tema “E tempore emergo”, interpretado por el grupo especializado en música romana “Ludi Scaenici” utilizando los instrumentos característicos de la época. Imagines, sonidos y melodías que nos trasportan a una época en que Éfeso fue una de las ciudades más importantes del mundo conocido.

Monasterio de Piedra - Una fiesta del agua

2007-11-28T11:06:00.002+01:00

En el Monasterio de Piedra el agua se convierte en protagonista indiscutible, el río, que discurría plácido hasta su entrada en el recinto, se convulsiona de repente, se desparrama en mil cauces, se precipita en pequeñas y graciosas cascadas, salva impresionantes saltos con gran estrépito, o recobra la placidez y la quietud más absoluta. Es una fiesta del agua, una fiesta para los sentidos; tanto para los ojos, por la belleza de lo contemplado; como para el oído, porque el sonido del agua esta presente a lo largo de todo el recorrido; unas veces violento, como en los grandes saltos; o tintineante y caprichoso, como en los pequeños desniveles que tiene que salvar; o rumoroso y tranquilizador, como cuando avanza a pequeños saltitos por las tramos de menor desnivel; o silencioso, como en los estanques y lagos que se forman. Te mojas; hueles; pasas frío, cuando paseas por las zonas umbrías o te introduces en la fantasmagórica gruta que se esconde detrás de la Cola del Caballo; o calor, cuando asciendes hacia el comienzo de la fiesta por empinadas escaleras y túneles. Otoño es una época ideal para hacer una visita a este paraje espectacular. Los tonos amarillos y rojizos suavizan el paisaje, lo apastelan, lo enriquecen y colorean el paseo a lo largo de todo el recorrido.

Nota: El Monasterio de Piedra se encuentra situado a 4 kilómetros del pueblo de Nuévalos, provincia de Zaragoza, Aragón, España; desde la Autovía A II hay accesos desde Calatayud, Ateca y Alhama de Aragón.
La música que acompaña el discurrir de las fotografías es el "Tema y las dos primeras variaciones" del "Quinteto para piano en La mayor, Op. 114", de Schubert, popularmente conocido como "La trucha".

Estambul

2007-11-09T11:31:00.004+01:00

Estambul te invade totalmente en cuanto llegas, nada más que abres los ojos y la miras. Es un invasión pacifica, dulce, irresistible, que comienza por la vista. Estés donde estés, mires donde mires; en una estrecha callejuela, o ante un impresionante paisaje del Bósforo; ante la presencia imponente de la mezquita de Solimán, o cruzando el bullicioso puente de Gálata repleto de pescadores; en el laberinto abigarrado de colores, formas y voces que es el Gran Bazar, o en los suntuosos Jardines del Palacio de Dolmabache… Los sentidos se despiertan y se adaptan con urgencia a los nuevos olores, a los nuevos paisajes, a las nuevas voces. Son tan intensas las sensaciones que producen, tan profundas, que te borran de un plumazo todos los recuerdos que traes y te zambullen de golpe en la vida cotidiana de la ciudad, perfectamente ordenada dentro del caos que aparenta, cruce de caminos y cultura, mitad europea y mitad asiática, que te seduce y te absorbe irremediablemente.

Habían pasado nueve años desde mi última visita, pero parecía que era el día siguiente, como si el tiempo trascurrido, toda una etapa, hubiera sido simplemente un sueño, como si un día más me dispusiera a sumergirme, con los sentidos abiertos y bien dispuestos, en la borrachera de sensaciones que me produce el simple hecho de contemplar la vida trepidante de esta ciudad. Después de tanto tiempo todo funcionaba igual, las mismas prisas, los mismos sitios, las mismas cosas, las mismas voces… y el mismo movimiento constante, incesante, de gente y mercancías, un caos perfectamente organizado: Estambul. En medio de toda esa vorágine de actividad, gente, turistas, coches y todo tipo de vehículos de transporte, aparecen, resplandecen, los edificios de la ciudad. Entonces la voz enmudece absorta por la contemplación del paisaje y no encuentra palabras para definirlo.

Solo se me ocurre montar unas cuantas fotografias y acompañarlas de algún fragmento musical, porque, como dicen que decía Confucio: “Si se quiere llegar a conocer una civilización, la mejor manera de hacerlo es escuchando su música”. [Con esta frase comienza la película documental “Cruzando el Puente - Los sonidos de Estambul” (“Crossing the Bridge - The sound of Istanbul”), que me permito recomendar a los que estén interesados en la ciudad y su música actual. Es fácil de conseguir.] Este paseo fotográfico que propongo esta sustentado por la música del grupo BabaZula, uno de los referentes musicales actuales de la ciudad de Estambul, fusionan música e instrumentos tradicionales turcos, con ritmos e instrumentos electrónicos occidentales. El tema es del año 2005 y lleva por título “Ozgur ruh (dub)”.

La despedida de Estambul no es cruel, es como uno de esos atardeceres suaves, lentos y anaranjados que se derraman sobre el mar de Mármara cada tarde. Esta ciudad, que egoístamente ha secuestrado tus sentidos durante los días que has vivido en ella, te deja partir dulcemente, su recuerdo perdura un tiempo en tu memoria y se va difuminando poco a poco, lentamente… y tú sabes que no es un adiós definitivo… es, simplemente... ¡hasta la vista!.

Tela Marinera y las tripas del León

2007-10-10T12:58:00.001+02:00

Han pasado ocho años desde que empezó su andadura el Pasacalles del León.
Una mañana del mes de mayo de aquel año 2000 sonó el teléfono, era Lorenzo, de Artea Teatro, tenía pensado el montaje de un pasacalles de animación callejera con el León, símbolo de la Inmortal Ciudad de Zaragoza, como centro del mismo. Quedamos a tomar un café para comentar la idea.
La idea era construir un león rodante, en lo alto del mismo, Don César, sentado en su poltrona sería el maestro de ceremonias; sobre zancos andarían sus dos ayudantes, las hermanas, Agustina y Angustiana, que vendrían encabezando un cortejo de personajes que representaban los símbolos festivos de la ciudad; y dentro del león, en las tripas, una banda de música debía poner soporte sonoro al pasacalles.
En las tripas del león se centraba nuestra participación. Se requería la composición de una canción representativa de la idea, fácil y sencilla. El resto de la música debería ser de nuestra tierra, del folklore aragonés, interpretada, no con los instrumentos tradicionales, sino con los propios de una banda de música de calle.
Nos pusimos manos a la obra, seleccionamos el repertorio, compusimos la canción, y empezamos nuestro cabalgar metidos en el reducido espacio de las tripas del León. Desde entonces han pasado ocho años, durante ese tiempo el León, que es una producción de Zaragoza Cultural, no ha faltado a la cita con sus conciudadanos por las Fiestas del Pilar.
La idea primera de interpretar música tradicional aragonesa nos llevo, a lo largo de la selección del repertorio, a plantearnos la posibilidad de abrir espacios para la improvisación en estos temas tradicionales. En algunos temas, los más apropiados, lo hacemos, pero por el carácter del espectáculo, y de la instrumentación, no es aconsejable hacerlo en todos, pero a partir de esta posibilidad empezamos a plantearnos dar un paso más en esa dirección y eso nos llevó a la creación de ChinaChana.
Para poder dar consistencia a un repertorio aragonés en donde se pueda improvisar se necesita una base rítmica apropiada y subirse al escenario. En eso estamos, pero de esto se puede escribir en otro momento y de eso precisamente, entre otras cosas, se ocupa este Blog.
Esta entrada estaba dedicada a Tela Marinera y las tripas del León, también para presentar un video-montaje con fotografías, recogidas en distintas actuaciones y años, en las Fiestas del Pilar y en los Carnavales de Niza, que, además de un recuerdo, intenta reflejar lo que es este espectáculo de animación callejera. La música es el tema original Pasacalles del León, pero arreglado e interpretado en la línea de lo que pretende ChinaChana. La versión de calle es cantada por el César y toda su corte y la letra dice:

El León va ha comenzar
su paseo por la ciudad.
El León va ha comenzar
el Pasacalles del Pilar.

Lleva Fiesta y alegría
por donde quiere que va.
Buen humor y fantasía
por las calles al pasar.

Voces de Tango - Más Birras

2007-09-28T21:06:00.005+02:00

Hace unos días, de golpe, me vino esta canción a la cabeza. Junto con ella, la idea de realizar un montaje de vídeo con unas cuantas fotos recopiladas aquí y allá, sobre todo de la Web de Más Birras, a la que se puede acceder desde el enlace que hay en ésta misma página. Me puse manos a la obra y aquí, un poco más abajo, está el resultado.
Lo curioso es que, una vez concluido el trabajo, observé una coincidencia numérica llamativa. Este vídeo-montaje sale a la luz 21 años después de la grabación de Voces de Tango, en 1986; grabación que se realizó 7 antes de que Más Birras se despidieran de los escenarios, en 1993, hace 14 años; 7 años después de esta decisión murió Mauricio, cosa que ocurrió exactamente hace 7 años. El 7, número cabalístico por excelencia, presente en todos estos hechos. Da que pensar.
Lo cierto es que, como decía al principio, esta canción me vino de golpe a la cabeza, y con ella la historia. Fue la primera grabación de Más Birras, se realizó en los Estudios Tsunami, de Donosti, a las ordenes de Josean López Salanova, también desaparecido, a propuesta de la Revista Menos15 que la incluía en un disco, junto a la revista, que llevaba por titulo "Los chicos de provincias somos así" y que, además de Más Birras, contó con la participación de otros tres grupos aragoneses de la época. Todo esto ocurrió en el mes de abril de 1986.
Quizá haya sido la fuerza de los números la que me ha traído la canción y los recuerdos, o la proximidad del fatídico día, aquel 2 de octubre, o ambas cosas confabuladas para fijar mi atención en el suceso ocurrido hace, ya, 7 años.
Lo que no sabía, cuando me golpeó la idea en la cabeza, era que este trabajo se iba a convertir en una necrológica, pero esta claro, no hay duda. Es eso, un recuerdo entrañable, de corazón, para alguien que fue algo más, mucho más, que un amigo.

Voces de Tango
(Mauricio Aznar)

Temo que al oscurecer vuelva a recordar que sin tí,
esperar es matar el fuego que por ti siento en mi pecho.
Y de mí escapa la risa falsa en vez de empezar a llorar,
y volver a llorar, tan solo otra vez, por tí.

Temo que al amanecer me vuelva a encontrar sin tí,
la casita está loca de atar,
nada puedo escuchar que no me traiga a la memoria lo que fuí,
y añoro los años en los que debí volver al hogar,
y volver al hogar harto de rodar por tí.

Y escucho las voces del tango
al ver todas las bazas que he perdido,
al seguir en la timba de amar,
en la puerta de un bar.
Atado a un querer por tí.
Por tí.

El toro de Osborne

2007-09-23T02:09:00.002+02:00

El toro de Osborne es un símbolo de las carreteras españolas. Se encuentran enclavados en distintos puntos estratégicos de nuestra red viaria y son un complemento del paisaje.
En este montaje les propongo un viaje por España con este símbolo de nuestro país como centro de atención.

La música que da soporte sonoro a este viaje es un corte de la banda sonora de la película Conwoy de medianoche.

Zaragoza 1908

2007-09-11T17:42:00.002+02:00

En 1908, en conmemoración del centenario de los Sitios, se celebró en Zaragoza la Exposición Hispano-Francesa. Este acontecimiento dejó profundas huellas en la arquitectura y fisonomía de la ciudad; se construyeron edificios civiles y particulares de rico estilo modernista; se urbanizaron nuevas calles y avenidas; se adecuaron infraestructuras; todo ello contribuyó para acercar a Zaragoza al recién nacido siglo XX. Conforme ha ido pasando el tiempo muchos de esos edificios, que le dieron personalidad y guapeza a Zaragoza, han sucumbido al quehacer imparable de la "piqueta municipal" y de la especulación inmobiliaria, pocos quedan en pie, la mayoría tan sólo perviven en el recuerdo de las fotografías.
Un siglo después, a las puertas de otro acontecimiento internacional que esta volviendo a cambiar la fisonomía de la ciudad, quiero proponerles un paseo por esa Zaragoza de principios del siglo pasado. Lástima que tenga que ser a través de viejas fotografías porque no supimos conservar el rico patrimonio que nos legaron nuestros antepasados. Ojalá no tengamos que lamentarnos de los mismos errores dentro de otros tantos años.

La música que acompaña al vídeo es un moderno charlestón que nos transporta a los tiempos de aquella Exposición, tiempo en que este ritmo, proveniente de Francia, estaba en boga en toda Europa y, como no, también en Zaragoza. Lleva por título "Vacilo". Su autor es Pepín Banzo. El arreglo es de Manuel Enguita. Está interpretado por el grupo ChinaChana.

Valderrobres - Paisajes

2007-08-23T12:31:00.001+02:00

Una nueva sección se abre en este Blog, lleva por nombre Paisajes y tratará, mediante fotografías y montajes de vídeo, de dar a conocer lugares que se van quedando grabados en mi memoria y en la de mi cámara de hacer fotografías.
En esta ocasión, y para abrir plaza, le ha tocado el turno a Valderrobres, capital de la comarca del Matarraña, pueblo medieval que cuenta con uno de los cascos históricos más sobresalientes de la provincia de Teruel.
Atravesar el puente que nos conduce mediante una puerta al casco antiguo, perderse durante unas horas por sus calles medievales, visitar el Castillo-Palacio y la Iglesia, descansar en la plaza del Ayuntamiento admirando la rica arquitectura de su edificios, tomar un refrigerio en el Restaurante de la Fonda (edificio que remonta su existencia y dedicación al hospedaje desde el siglo XV), merece la pena.
Pero sobran las palabras, más vale darle al vídeo y contemplar algunas fotografías que ilustran mejor que la literatura. El tema musical que acompaña al vídeo es el pasacalles Mazaleón Cercavila, interpretado por el grupo ChinaChana.

ChinaChana en Alfamén

2007-08-16T17:54:00.003+02:00

Reportaje de la actuación del grupo ChinaChana en la Plaza del Mercado de Alfamén el pasado 15 de agosto de 2007. El tema soporte del vídeo es el pasacalles "Alegre mañana de mayo" interpretado por ChinaChana.

Bambino - El Reloj

2007-08-12T12:05:00.002+02:00

EL RELOJ
(P. González - Manuel Sánchez Pernía)

En noviembre caen las hojas amarillas
pero en mayo vuelve a abrir la blanca flor
mientras giran sin cesar las manecillas
encerradas en la esfera del reloj.
-
El reloj en la pared
parece que esta dormido
y el tiempo que nadie ve
pasa sin hacer ruido.
Y pasan los días… y pasan los años,
con las alegrías… y los desengaños,
y pasan los días, y pasan los días,
y pasan los años,
el tiempo no existe,
por culpa del tiempo no te pongas triste,
y el tiempo es un nombre,
y el tiempo no pasa que pasan los hombres.
-
El reloj en la pared
resuena en toda la casa
y en el fondo de mi ser
resuena ese tiempo que pasa.
Y pasan las horas… y pasan los meses,
si unas veces lloran… se ríen otras veces,
y pasan las horas, y pasan las horas,
y pasan los meses,
el tiempo no existe,
por culpa del tiempo no te pongas triste,
el tiempo es un nombre,
y el tiempo no pasa, que pasan los hombres.

Este humilde vídeo pretende ser un homenaje a Miguel Vargas Jiménez, artísticamente conocido como Bambino. Gitano nacido en Utrera, Sevilla, el 12 de febrero de 1940, fue pionero en su género y abrió un camino por el que, luego, muchos transitaron recogiendo los beneficios de la fama y el dinero. El 5 de mayo de 1999, olvidado del mundo, murió en su pueblo natal esta gran cantante, el mejor en su género hasta el día de hoy.

Noa

2007-08-10T01:43:00.001+02:00

Me sorprendió muy gratamente la actuación de Noa en el patio del Castillo de Valderrobres presentando su espectáculo "Noa Sings Jazz".
Era una noche preciosa, estrellada, con una ligera brisa que refrescaba el ambiente pegajoso de lo que había sido un caluroso día de verano, el más caluroso según decía el parte meteorológico, era viernes 3 de agosto.
Llegué al concierto huérfano de cualquier conocimiento sobre lo que iba a presenciar, sin haber escuchado nunca ninguna grabación de esta cantante, con la única referencia de que había ganado una vez, hace años, el festival de Eurovisión, que no es que sea, precisamente, una referencia muy fiable y... quede atrapado en su música desde el primer tema.
Acompañada por un trío de magníficos músicos de jazz compuesto por Guitarra, Contrabajo y Batería (cuyos nombres no recuerdo), Noa consiguió llegar al público desde la primera canción. Con un repertorio basado en standards de jazz, aderezado con un par de canciones de su país, y arropada por una interpretación medida en el acompañamiento y brillante en las improvisaciones, su voz limpia y cristalina lleno el patio del Castillo con la fragancia de melodías perfectamente interpretadas gracias a una muy buena técnica vocal y gran sensibilidad en la forma de cantarlas.
Hay que destacar las brillantes improvisaciones de sus músicos destacando, de entre los tres, al guitarrista que conseguía llegar al público con solos sencillos y melodiosos no exentos de virtuosismo, incluso Noa se lanzo en un par de improvisaciones en donde demostró el perfecto dominio de su voz.
Fueron casi dos horas que parecieron media, como si el tiempo se hubiera detenido enredado por la música que acariciaba la noche, el final de concierto fue como despertar de un sueño, de un suave y melodioso sueño.
Cuando bajaba por las empinadas calles que conducen a la plaza iba como flotando, absorto todavía por la sorpresa que había supuesto el concierto que había presenciado. No me quede a tomar nada en las terrazas, me fui directo a la Fonda. El sueño lo concilie arrullado por la voz y las canciones que poco antes había escuchado. Han pasado varios días y sigo acordándome de esa actuación y creo que su recuerdo seguirá presente en mi memoria por mucho tiempo.

Lhasa de Sela - Con toda palabra

2007-06-15T13:08:00.001+02:00

Con toda palabra

Con toda sonrisa

Con toda mirada

Con toda caricia

Me acerco al agua

Bebiendo tu beso

La luz de tu cara

La luz de tu cuerpo

Es ruego el quererte

Es canto de mudo

Mirada de ciego

Secreto desnudo

Me entrego a tus brazos

Con miedo y con calma

Y un ruego en la boca

Y un ruego en el alma

Con toda palabra

Con toda sonrisa

Con toda mirada

Con toda caricia

Me acerco al fuego

Que todo lo quema

La luz de tu cara

La luz de tu cuerpo

Es ruego el quererte

Es canto de mudo

Mirada de ciego

Secreto desnudo

Me entrego a tus brazos

Con miedo y con calma

Y un ruego en la boca
Y un ruego en el alma

Lhasa de Sela

2007-06-14T11:37:00.001+02:00

Una nueva voz de mujer me ronda por la cabeza desde hace unos días, Lhasa de Sela, la encontré por casualidad navengando por la red, y desde ese mismo instante no he dejado de escucharla. Estos descubrimientos son las mejores.
Me gusta esa voz. Hay pasión, temblor y emoción en esa voz. Me conmueve, no me deja indiferente esa voz.
Nacida en 1972 en Big Indian, hija de un escritor mexicano y una fotógrafa estadunidense, lleva en la sangre y en la garganta los sonidos de esas dos culturas. Su afincamiento en el Canadá francófono y sus largas estancias en Marsella la han llevado a sumar a esa dos culturas paternas la riqueza de la francesa.

Un coctel maravilloso.
Ha grabado dos disco, "La Llorona" (1998) con un repertorio totalmente interpretado en español y "The Living Road" (2003) en el que conjuga el inglés, el francés y el español.

ChinaChana - EN CLAVE DE FOLK - "EN LA LINEA" Fraga

2007-05-18T02:49:00.003+02:00

ChinaChana presento su propuesta en el Festival "EN LA LINEA", que se ha celebrado en Fraga entre los días 18 y 25 del pasado mes de abril.
La de ChinaChana es una propuesta arriesgada, porque no es fácil transitar por este territorio de lo tradicional sin correr el riesgo de que pueda desvirtuarse su esencia, y arriesgan doblemente al sustituir los instrumentos tradicionales, típicos para este tipo de repertorio, por los de una formación más cercana a una banda de jazz.
Junto a interpretaciones más formales y ajustadas a la tradición, como pasodobles o valses, pudimos comprobrar como con estructuras más flexibles, como las rumbas y las polcas, se abrían espacios para la improvisación, sin forzar su estructura ni quebrar su armonía.
En definitiva, "una manera peculiar y diferente de entender la música tradicional, donde improvisación y guiños a estilos complejos y diversos se unen en la propuesta de ChinaChana con la pretensión, muy digna, de renovar nuestra música popular", como decía Heraldo de Aragón, "un invento de reciente creación y mimbres experimentados, que se concentra en interpretar música tradicional aragonesa con un ángulo de aproximación cercano al jazz".

Lila Downs en el Teatro Principal de Zaragoza

2007-05-15T11:44:00.001+02:00

Sigo atrapado por esa voz. Me acosté escuchándola y lo primero que he hecho al levantarme ha sido poner otra vez su música. Mientras suenan de nuevo sus canciones se me aparecen, como fogonazos, los recuerdos del concierto de ayer. La aparición de Lila en escena fue como una ráfaga de luz que lleno de color todo el escenario, y a partir de ese momento, arrastrado por la fuerza de su presencia y el embrujo de su voz, penetras en un carrusel de canciones emblemáticas que van repasando casi todos los estilos del folclore de México.

Acompañada por una buena banda de músicos que aunan instrumentos tradicionales y modernos se adentran por el territorio del repertorio mexicano, juegan con las canciones de siempre, tratan de acercarlas a los tiempos actuales, a los sonidos y los ritmos de hoy en día, y a fé que lo consiguen. Arriesgan con los arreglos en un territorio muy delicado, y por el simple hecho de hacerlo se merecen el máximo respeto. El resultado te puede gustar más o menos, en cosa de gustos todo es subjetivo, pero consiguen que las nuevas versiones de las viejas canciones tengan vigencia y actualidad.

La voz de Lila Downs es de verdad, de las que convencen, de las que ejercen poder sobre quien la escucha. Tiene en su garganta un registro privilegiado y la técnica precisa para poner en cada canción la voz que necesita, el tratamiento sentimental que merece y la forma más adecuada de decirla... de cantarla. Esa es su mayor grandeza, y cabe esperar que con el tiempo gane en pureza y pierda en efectismos, que para nada le hacen falta, y estemos ante una voz de las que hacen historia y de la que podemos esperar, con fundamento, que lo mejor esta por llegar. Personalmente a mi me gusta más en los registros graves, cuando la voz le sale húmeda y se te pega en la piel.

En el concierto de ayer pudimos comprobar todo esto. Fue un buen concierto, no cabe duda, y la gente que llenaba el teatro salio convencida, pero siempre queda un gramo de duda, que hubiera pasado si...

Desde mi punto de vista no hubo una comunión perfecta entre los artistas y el público, se notaba incomodidad, distanciamiento, quizá fuera por las características del recinto, y de hecho fue un concierto corto, -con todo el aforo volcado volvieron a escena para un bis de compromiso- fué un concierto muy corto.

El repertorio pudo no ser el más apropiado para un espacio como el Teatro Principal, nos ofrecieron una propuesta para bailar, para moverse, perfecta para otro tipo de recinto. Quizás un repertorio más intimista, escogiendo los temas más apropiados del amplio repertorio que suponen cinco discos publicados con canciones maravillosas, hubiera conseguido crear un ambiente más propicio y una comunión más íntima con un público entregado desde el primer momento.

Para finalizar un deseo: Lila Downs acompañada por un dúo de guitarras interpretando un puñado de buenas canciones mexicanas. Ojala que lo pueda ver algún día.

Lila Downs en Zaragoza

2007-05-13T02:34:00.001+02:00

Desde la primera vez que escuche una grabación de Lila Downs quede atrapado en su voz, una voz húmeda, que surge de las entrañas de la tierra, te llama desde lo más hondo de su pasado indígena y, traspasando todas las edades, te transporta hasta la más absoluta modernidad en un viaje sin retorno.
Las canciones inolvidables que tantas veces hemos escuchado en la voz de sus más excelsos interpretes, siendo las mismas, se convierten en algo nuevo, cobran vida propia, adquieren una fuerza renovada y se sitúan en la frontera de la más absoluta actualidad, tanto por sus arreglos musicales como por su compromiso.
La banda que la acompaña, une, junto a instrumentos tradicionales como el arpa, el violín y el acordeón, la fuerza de la guitarra y el bajo eléctrico, la contundencia de la base rítmica y el color que da a los arreglos el clarinete y el saxo tenor.
Y sobre esta perfecta máquina de ritmo surge la voz Lila Downs y te arrebata sin remedio. Como si una fuerza irresistible te empujara hacia una vorágine de sentimientos y sensaciones que surgen de lo más profundo de tu ser: canciones que vuelven a la memoria... canciones que traen recuerdos remotos... canciones que denuncian con desgarro... canciones que te zarandean una vez más... canciones.

Lila Downs actúa el próximo lunes 14 de Mayo en Zaragoza.
La cita es a las 21 horas en el Teatro Principal.

EN CLAVE DE FOLK

2007-05-09T20:37:00.001+02:00

ChinaChana es un grupo que partiendo del repertorio tradicional de la música aragonesa le da un tratamiento moderno en base a una instrumentación y arreglos actuales. También tienen cabida en su repertorio temas de compositores contemporáneos concebidos a la manera tradicional.

Repertorio

Cercavila de la Rondalla Vella - Pasacalles (tradicional de Mazaleón - Teruel)
L'arriazu - Pasodoble (tradicional de Mazaleón Mazaleón - Teruel)
Polca de Urdués (tradicional de Urdués)
La Zaida - Polca (Danza de la Cintas de Graus - Huesca) Melodía que sustituyó a la que se utilizaba originalmente para el baile de cintas y que hoy recibe también el nombre de Polca Nueva.
Amoniquet - Canción (tradicional de Siresa)
Pasodoble de Albalate (tradicional de Albalate del Arzobispo - Teruel)
Rumba del topo (Tradicional de Blesa - Teruel)
Polca Piqué (tradicional de Serveto)
Ball de Benás (tradicional de San Juan de Plan). También conocida como la Danza d'os mayordomos.
Vals de la Cintas (original de Emilio Gutiérrez Féliz) - Forma parte de el Dance de Huesca
Alegre mañana de mayo - Pasacalles (original de Mariano Ballesteros Gutiérrez)
Mazurca del maíz (original de Domingo Ferrández)
Rumba dragona (original de Pepín Banzo Salvo). Dedicada a los Danzantes de Zuera.
Vacilo - Charlestón (original de Pepín Banzo Salvo
La Charradeta - Polca (original de Eugenio Gracia Marco)
Los estanqueros - Habanera (original de Eugenio Gracia Marco)
Estercuel's Rum - Rumba (Eugenio Gracia Marco)

EN CLAVE DE FOLK esta formado por:

2007-05-09T20:09:00.001+02:00

Bateria: Vicente Hernández "Gavi"
Bajo: Coco Balasch
Piano: José Gregorio Montañés
Percusión y Guitarra: Javier Moreno
Flauta: Domingo Ferrández
Saxo Tenor: Manuel Enguita
Saxo Alto: Mariano Ballesteros

Contacto: Stop Producciones C/ Santa Isabel, 11 entlo. Dcha. 1 - 50003 Zaragoza
Tel.: 976 29 96 38 - Móvil: 656 84 84 35
stop@wanadoo.es
www.stop-producciones.com